Golden

Der Titel der aktuellen New Yorker Ausstellung der nigerianisch-amerikanischen Künstlerin Wura-Natasha Ogunji in der Fridman Gallery, „Cake“, könnte nicht perfekter sein: Er ist nach einer Zeichnung der Künstlerin Youmna Chlala benannt, die eine teilweise mit Wasser bedeckte stadtähnliche Struktur zeigt Schichten aus Weiß; Dieses Werk „This is a cake, not a city“ hat nun weitere Zeichnungen von Ogunji, einem Bewunderer von Chlala, hervorgebracht.

Ogunji schuf ihre neuen Arbeiten mit Fäden, Graphit und Tinte auf Transparentpapier, die meisten davon in Paris, wo die in Lagos lebende Künstlerin einen Aufenthalt absolviert. Das Programm gab ihr die Möglichkeit zu lernen, zu erforschen und zu experimentieren sowie Textilien, Couture, Spitze und Stickereien zu erforschen, die allesamt in ihr neuestes Werk eingeflossen sind, das sich mit Ahnengeschichten und der Natur der Erinnerung beschäftigt.

Ogunjis Arbeiten wurden bereits im Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, im Palais de Tokyo und im Brooklyn Museum gezeigt. Sie hat an der Biennale von Sydney, der Stellenbosch Triennale, der Bienal de São Paulo und der Kochi-Muziris Biennale teilgenommen.

ARTnews sprach mit Ogunji vor der „Cake“-Eröffnung in der Fridman Gallery am 12. Mai über ihre Praxis und ihr New Yorker Solodebüt.

ARTnews: Können Sie uns erzählen, wo Sie dieses Werk geschaffen haben und wie sich das auf die Zeichnungen ausgewirkt hat?

Gold-Natasha Ogunji: Seit November letzten Jahres lebe ich in der Cité Internationale des Arts in Paris. Fast alle Arbeiten der Ausstellung sind dort entstanden. Der Aufenthalt in Paris hat meinen Prozess in vielerlei Hinsicht verändert. Es war erstaunlich, aus Lagos, [der bevölkerungsreichsten Stadt] in Nigeria, einem tropischen Land, zu kommen und im Winter anzukommen. In gewisser Weise erlaubte mir die Kälte, einen Winterschlaf zu halten und in die Zeichenhöhle zu gehen. Ich verbrachte viel Zeit mit Zeichnen, Nähen und Markieren mit Tinte, nachdem ich mehrere Jahre lang darüber nachgedacht hatte, meine Zeichenpraxis aufzugeben.

Der Besuch von Museen, Aufführungen und dem Theater war natürlich zutiefst inspirierend, aber am meisten bewegte mich die Geschichte der Textilien und der Haute Couture in Frankreich. Ich nahm an einigen Kursen bei Rebecca Devaney teil, die Textile Tours of Paris gegründet hat, was mir ermöglichte, tief in die Geschichte, Materialien und Prozesse einzutauchen. Und Spitze, so viele unglaubliche Beispiele der Spitzenherstellung.

Ich habe auch gelernt, wie man kostenlose Maschinenstickerei macht, was das Zeichnen mit einer Nähmaschine ermöglicht. Obwohl meine Zeichnungen alle von Hand genäht sind, liebe ich das Gefühl von Stichen, die mit der Nähmaschine gemacht werden, diese einzelnen Linien. Einige dieser Experimente (und Fehler) tauchen in dieser Ausstellung auf.

Wie hat Ihr Hintergrund in Fotografie und Film bei der Zusammenstellung dieses Werks geholfen?

Ich zeichne auf Pauspapier, wie es Architekten für Vorskizzen und Renderings verwenden. Das Papier hat sich für mich in seiner Transluzenz immer filmisch angefühlt. In meinen Händen bewegt es sich sogar ein bisschen wie ein Film; es hat eine spezifische Kurve und Struktur.

Und die Farbe – kanariengelb oder gelbbraun – verleiht ihr eine Präsenz, noch bevor ich mit dem Zeichnen beginne, daher ist der Platz auf dem Papier wichtig. Seine Sprache, ein Charakter, ein Ort. Ich stelle es mir oft als Wasser vor – vielleicht als Meer oder Fluss. Die Bilder wiederholen sich von Zeichnung zu Zeichnung und es gibt viel Bewegung im Bild. Es fühlt sich ziemlich ähnlich an, als würde man ein Foto machen.

Sie haben in einem früheren Interview erwähnt, dass eine neue Arbeit mit einem Bild, einer Textzeile oder einem Titel beginnt, der Ihnen einfällt, und dann verfolgen Sie das Ganze und sehen, wie es weitergeht. War das auch bei diesem neuesten Werk so?

Ja sicher. Es gibt sich wiederholende Bilder, darunter Läufer und Charaktere aus Filmen (z. B. Touki Bouki von Djibril Diop Mambéty) sowie zusammengesetzte Figuren. Mich fasziniert auch, wie eine Textzeile zur Architektur einer Zeichnung wird. Vielleicht fällt mir ein Satz ein, der dann die Form der Zeichnung bestimmt. Es handelt sich nicht unbedingt um eine wörtliche Struktur, die eher schwingungs- oder sensorisch ist, sondern auch spezifisch für die Sprache der Phrase. Zum Beispiel die Zeichnung „Ein normaler Tag voller Liebe und Brutalität“.

Was verbirgt sich hinter dem Titel dieser Ausstellung „Kuchen“?

Der Titel stammt von einer Zeichnung. Es gibt eine rennende Figur und eine weitere Figur, die aus ihrem Körper auftaucht. Sie halten etwas in der Hand, das mich an Kuchen erinnert.

Es gibt eine Zeichnung der Künstlerin Youmna Chlala, die mich schon seit Jahren fasziniert. Der Titel lautet „Das ist ein Kuchen, keine Stadt“. Ich liebe das Zusammenspiel zwischen dem Kuchen im wahrsten Sinne des Wortes und der Karte einer Stadt, von der ich glaube, dass sie Beirut ist. Ich denke über die Grenzen des Wissens nach, insbesondere wenn es zum Beispiel um einen bestimmten Ort, ein Land oder ein Volk geht. Es gibt Kuchen und es gibt tiefes Wissen. Tiefes Wissen lässt sich nicht in ein paar Sätzen oder Absätzen oder gar in einer Künstlererklärung beschreiben. Ich kann so tun, als würde ich Ihnen sagen, worum es in der Zeichnung geht, aber was noch wichtiger ist, sind Ihre eigenen Erfahrungen und Ihre Verbindung.

Wie hat sich Ihre Praxis Ihrer Meinung nach im Laufe der Jahre weiterentwickelt?

Es ist definitiv eine Spirale – die Erforschung und Erweiterung neuer Bilder und Materialien und eine ständige Rückkehr zu früheren Formen des Schaffens. Manchmal habe ich das Gefühl, dass ich immer wieder dieselbe Zeichnung mache.

Was können Sie uns über die standortspezifische Thread-Installation mitteilen?

Ich wollte eine Zeichnung machen, die man eingeben kann, oder Linien, die einen Raum suggerieren, etwas Umfassendes. Mich interessiert immer mehr der Faden selbst, wie viel ich mit diesen einfachen Linien im Raum sagen oder hervorrufen kann.

Finden Sie es befreiend, die Arbeit schaffen zu können, die Sie wollen, und nicht unbedingt das, was der Markt angeblich will?

Stets. Aber liegt das nicht in der Natur des Künstlerseins? Kunst ist unendlich; Der Markt kommt und geht.

Können Sie etwas über die frühen Videoarbeiten sagen, die in der Galerie präsentiert werden sollen, und über die Entscheidung, sie in diese Ausstellung aufzunehmen?

Die Videos sind ein elementarer Bestandteil meiner kreativen Praxis. Sie sprechen über mein anhaltendes Interesse an Land und Körper, was wir tragen, die Spuren, die wir hinterlassen, Präsenz und Liminalität, Überquerungen und Ankunft. Mir gefällt, wie sie mit dieser Sammlung von Zeichnungen sprechen.