Die besten Alben des Jahres 2023 bisher

Jedes Jahr im Dezember veranstalten die Autoren von Treble eine gemeinsame Feier der Musik, die uns das ganze Jahr über berührt hat. Aber sechs Monate vorher möchten wir einen Fortschrittsbericht über die Musik anbieten, die uns auf halbem Weg dorthin gebracht hat. Da die Mitte des Jahres 2023 nur noch wenige Wochen entfernt ist, ist es soweit.

Unsere Liste der besten Alben des Jahres 2023 ist nicht geordnet. Da wir auf die 34 Alben zurückblickten, die uns in den letzten sechs Monaten (mehr oder weniger ein paar Wochen) am besten gefallen haben, haben wir uns einfach dafür entschieden, sie in alphabetischer Reihenfolge zu ordnen. Es ist eine Gelegenheit, sich auf den neuesten Stand zu bringen und einen Haufen aktueller Favoriten auszuprobieren – was ein ebenso guter Grund dafür ist wie jeder andere.

Die Zusammenarbeit mit Backxwash und Billy Woods für die explosive Lead-Single „Bite Back“ war der erste Hinweis darauf, dass Algiers mit ihrem vierten Album etwas Großes vorhatten. SHOOK erwies sich als gewaltig. SHOOK ist ihr bisher längstes Album und mit einer unglaublichen Besetzung von Kollaborateuren (Zack de la Rocha! Samuel Herring! Big Rube!) dabei, wie die Gruppe ihr eindringliches postindustrielles Songwriting durch Hip-Hop, Jazz und Soundcollagen steuert und Freude nutzt. Schmerz und Gemeinschaft durch eine bahnbrechende Aussage, die sich wie ihre einheitlichste Aussage anfühlt, egal wie weit sie schwingt. Es ist ein Album, das man ein paar Mal anhören muss, um es vollständig zu absorbieren, aber nur eines, um etwas zu spüren. -Jeff Terich

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Love in Exile widerspricht vielen Improvisationsgrundsätzen des Jazz. Es ist eher heikel als explosiv, eher eindringlich als performativ und schätzt vor allem die unausgesprochene Bindung zwischen Bandkollegen, anstatt sie zur Schau zu stellen. Beim Jazz geht es sowohl um Zusammenarbeit als auch um freundschaftlichen Wettbewerb. Fordern Sie Ihre Bandkollegen, damit ihr Stern heller leuchten kann. Aftab, Iyer und Ismaily meiden gemeinsam das Rampenlicht von Love in Exile und spielen mit der unausgesprochenen Vereinbarung, in Demut zu gedeihen. Ihre Stücke sind spärlich und eindrucksvoll, als ob sie sich gegenseitig herausfordern würden, wer einen möglichst kleinen Fußabdruck hinterlassen kann. In Wirklichkeit ist es nicht die Musik, die die Platte antreibt, sondern die Chemie zwischen dem Trio. Es lässt Sie staunen, wie kompatibel drei Menschen sein können, ohne ein einziges Wort zu sagen. – Colin Dempsey

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„Furling“ von Meg Baird fühlt sich bemerkenswert vertraut an, mit spiralförmigen Melodien und warmen Texturen, die so unmittelbar sind, als ob sie außerhalb der Zeit existieren würden. Bairds neuestes Werk ist ein bewusster Schwenk hin zu einem direkteren Songwriting. Die Espers- und Heron-Oblivion-Spielerin schreibt mit einer klareren Linse als die gespenstische Atmosphäre, die sie mit der Harfenistin Mary Lattimore für „Ghost Forests“ von 2018 geschaffen hat. Stark beeinflusst durch die gemeinsame Nutzung eines kleinen häuslichen Raums mit ihrem Kollegen und Partner, dem Gitarristen Charlie Saufley, ist Furling eine Hommage an das Zuhause und meditiert stark über die zentrale Bedeutung der Musik im Familienleben. Es gibt ein pastorales Element in Bairds eher Pop-dominierter Formel, was zu einer ihrer bisher zugänglichsten Kollektionen führt. „Star Hill Song“ ist die Art von Song, der einen davon überzeugt, Furling durchzustehen, „Will You Follow Me Home?“ Sie werden es nicht bereuen. Diese Songs verschmelzen ebenso brillant, wie sie für sich allein glänzen. Die neueste Version von Meg Baird ist ein Muss. – Patrick Pilch

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Bar Italia, eine pressescheue Londoner Gruppe, die ihren Namen mit einem Pulp-Song teilt und zuvor Musik auf Dean Blunts World Music-Label veröffentlichte, verbindet die nicht allzu ferne Vergangenheit der britischen Musik mit einem zeitgenössischen Dunst. Ihr Matador-Records-Debüt trägt jede Menge typische Merkmale der frühen 90er – Baggy, Shoegaze, Slowcore –, ohne durch sie definiert zu werden, wobei die Instrumentalauftritte des Trios immer als komplementäres Ganzes funktionieren, wobei jedes Stück sich zu einem hypnotischen Lo-Fi-Groove dreht und ineinander verschränkt. Der Gruppe gelingt es, einen Hauch von Geheimnis hervorzurufen, ohne ihn durch kitschige Gimmicks zu übertreiben, sondern lediglich eine Reihe wunderbar nüchterner und kühler Songs, von denen ein heller Glanz ausgeht. -Jeff Terich

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Nachdem sie mit The Body einen Umweg über die Erstellung einer brillanten Folk-Platte gemacht haben, sind Big|Brave zurück, um emotional vernichtenden Drone/Post-Metal zu veröffentlichen. Wir haben begeistert über dieses Album geschrieben, und das aus gutem Grund: Während Drohnen-orientierte Arbeit manchen Zuhörern oft undurchsichtig erscheint, haben Big|Brave die unheimliche Fähigkeit, den Lärm zu durchdringen und tief ins Herz zu dringen, wobei ihr Sound voller Verlangen ist und anstrengen, wie ein fließender Fluss. Die Verbindung zur Volksmusik hat sich auf „Nature Morte“ auf ein chemisches Substrat reduziert, das spürbar ist, wenn man danach sucht, aber ansonsten angenehm im Hintergrund verweilt, was zu ihrem bisher kraftvollsten Album führt. – Langdon Hickman

Mehr lesen:Big|Braves allumfassende Katharsis

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Dieser Autor hatte das Glück, letzten Sommer eine der Live-Shows von Black Country, New Road zu sehen, bei der acht dieser neun neuen Tracks aufgeführt wurden. Ausschnitte aus dem Set haben sich ihren Weg in meine Träume gebahnt und sind dank der Veröffentlichung dieser großartigen Live-Sammlung nun fest dort verankert. Seine Musik ist präziser, komplizierter und theatralischer als der Durchbruch der Band, Ants From Up There. Es gibt Momente von echter Schönheit („Turbines/Pigs“ ist umwerfend schön) sowie barocke Launen (die pastorale Fantasie „The Boy“), die BC, NRs Position als einen der mutigsten und aufregendsten Acts aller Zeiten bestätigen des Vereinigten Königreichs seit vielen Jahren. – Tom Morgan

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Auf rein ästhetischer Ebene verlief die Entwicklung von Bully schrittweise, aber was ihr Songwriting betrifft, ist die Nashville-Grunge-Pop-Band sprunghaft gewachsen. Alicia Bognannos viertes Album „Lucky For You“ ist gleichzeitig ihr abenteuerlichstes und emotionalstes Album. Es thematisiert die unverheilte Wunde echter Trauer und lernt, sich selbst zu lieben, auch wenn andere davor zurückschrecken. Dabei nutzt Bognanno jedoch jede Gelegenheit, um einen stilistischen Linksschwenk einzufügen, sei es, dass Madchester bei „Hard to Love“ ihren Shoegaze verstärkt oder bei „Ms. America“ die großen Rock-Arrangements für eine spärliche, atemberaubende Ballade entfernt. Dass es immer noch so unverkennbar nach „Bully“ klingt und gleichzeitig dessen Inhalt dramatisch erschließt, macht „Lucky For You“ zu einem solchen Triumph. – Jeff Terich

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Debby Friday aus Toronto ist per se keine neue Künstlerin, da sie 2018 und 2019 zwei hervorragende EPs und ein Mixtape veröffentlicht hat. Aber GOOD LUCK, ihr eigentliches Debütalbum, scheint eine notwendige Wiedereinführung in ihr vielseitiges künstlerisches Können zu sein. „Friday“ bohrt einen Tunnel zwischen der Diskothek und dem Gothic-Dungeon, verbindet Industrial-Rap mit Blues und baut aus scheinbar widersprüchlichen Teilen, die in einer seltsamen, kakophonen Harmonie zusammenwirken, ein zusammenhängendes Statement auf. Es erfordert eine gewisse Art von Selbstvertrauen, ein bedrohliches Pochen wie „Hot Love“ dem euphorischen Pop von „So Hard to Tell“ gegenüberzustellen, aber Friday ist eine beeindruckende Präsenz, die in diesen Widersprüchen immer Harmonie findet. In „Pluto Baby“ erklärt sie: „Das ist der Himmel/Das ist die Hölle.“ Und sie hat recht. -Jeff Terich

Mehr lesen:Debby Fridays Harmony in Dissonance

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Nach dem Tod des langjährigen Depeche-Mode-Mitglieds Andy Fletcher kehren Dave Gahan und Martin Gore zu der Art packender emotionaler Spannung zurück, die die Gruppe zuletzt 1997 in „Ultra“ einfing. „Memento Mori“ ist eines der stärksten Depeche-Mode-Alben seit Jahren und orientiert sich an den Höhenflügen der 90er-Jahre (die natürlich unterschätzt wurden), aber statt der drogengetriebenen Selbstbeobachtung der Zeit bieten sie eine Meditation über Trauer. Es fließt in die Grooves und Melodien dieser Lieder ein und haucht Gahans Baritongesang Leben ein, während Gore wieder zur Gitarre greift. Düster und eindringlich erinnert Memento Mori an die Art von Kraft, die Depeche Mode vor mehr als drei Jahrzehnten zum ersten Mal zeigte. – Wil Lewellyn

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Leon Michels von El Michael Affair ist einer der Lieblingsproduzenten von Black Thought. Er kreiert warme, bodenlastige Lo-Fi-Produktionen, die Michels als „cinematische Seele“ bezeichnet. Gibt es eine bessere Leinwand für Black Thought, einen der fünf Top-Moderatoren aller Zeiten, um seine Geschichten, warnenden Geschichten und noch zu drehenden Filme zu verweben? Glorious Game ist ein Gemeinschaftsprojekt der beiden Gründungskünstler, das die Zeit erobert. Koda fotografiert die vergangenen Leben und Erfahrungen der besten Philly-Stars am Mikrofon, während Michels die Kick-Drum-Seele weiterhin dem Blues entlocken lässt, damit Tariq Zeugnis davon ablegen kann. Das ist erstklassiges Material, das zeigt, wie sich Hip-Hop mit zunehmendem Alter verbessert. Da wir Biggie, Phife, Dave von De La Soul und so viele andere nicht mehr haben, trägt Black Thought die Flagge, und im Alter von 51 Jahren kratzt der Typ immer noch an der Oberfläche. Merken Sie sich meine Worte: Ich werde zur Weihnachtszeit wieder über diese Platte schreiben. – John-Paul Shiver

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Radical Romantics bescherte uns sowohl eine Wiedervereinigung von The Knife (sozusagen) als auch zwei Kollaborationen zwischen Karin Dreijer und Nine Inch Nails, und doch sind diese ansonsten Schlagzeilen stehlenden Events irgendwie immer noch Zweitplatzierte für Fever Rays Gesamtvision. Radical Romantics ist gedämpfter als Plunge aus dem Jahr 2017 und schafft den Übergang von der animierten Feier der queeren Sexualität auf diesem Album zu etwas ruhigerem, intimerem. Mit einer Reihe elektronischer Arrangements, die Schichten beherbergen, die sich mit der Zeit langsam entfalten und offenbaren, bietet Karin Dreijer ein persönlicheres Album als üblich, ohne dabei dem blendenden Rampenlicht ausgesetzt zu sein. Es ist vielleicht nur ein flüchtiger Blick, aber es ist vielleicht das Beste, was wir je hinter der Maske gesehen haben. – Jeff Terich

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Der beeindruckende Mut, der aus New Jerseys GEL explodiert, macht Only Constant zu einem der besten Hardcore-Alben dieses sich noch entwickelnden Jahres. Die Band versucht nicht unbedingt, das Rad neu zu erfinden, sondern fügt ihren eigenen, einzigartigen Schnörkel entlang ineinander verschlungener Pfade hinzu, die von Bands wie GISM und den Plasmatics vorgezeichnet wurden, um einen ehrlichen Ausdruck ihrer Wut hervorzubringen. In einer Welt, die näher am Krieg steht, als die meisten von uns zugeben wollen, war dieses Album der klangliche Mittelfinger, den ich brauchte. Ihre messerscharfen Verkündigungen der kreativen Zerstörung sind von einer rohen Zielklarheit angesichts der rasanten Gitarren, die den Hörer mit metallischem Vortrieb attackieren, geprägt. – Wil Lewellyn

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In der Pressemitteilung zu ihrem dritten Album macht die australische Hardcore-Gruppe Geld „kein Versprechen auf ein höheres Ziel oder eine höhere Entschlossenheit“. Damit wird ein Problem gelöst, mit dem viele Veröffentlichungen dieses Genres konfrontiert sind. Ihre Absichten werden durch mutwilligen Lärm verschleiert. Gelds Botschaft ist, dass ihre Musik keinem höheren Zweck dient und für bare Münze genommen werden kann. Und was für ein Gesicht sie haben; ähnelt eher einem sonnenverbrannten Eber als einem dickhalsigen Mosh-Vollstrecker. In der Praxis bedeutet das, dass Geld ihr Tempo variiert, ihre Produktion aufpeppt und mit nicht-musikalischen Klängen herumspielt, die ihre Instrumente erzeugen können. Als solches ist „Currency//Castration“ paradoxerweise kohärent und chaotisch, manchmal im Kampf mit sich selbst, weil die Aspekte, die abstoßend sein sollten, lesbar sind. Glücklicherweise stimmen beide Seiten dieser Gleichung miteinander überein und festigen „Currency//Castration“ als eines der besten gewalttätigen Hardcore-Alben des Jahres. – Colin Dempsey

Mehr lesen:Der regellose Hardcore von Geld

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No Highs spielt sich wie eine Fusion aus Love Streams und seinem tadellosen Meisterwerk eines Doppelalbums mit Konoyo/Anoyo und positioniert sich auf der Grenze zwischen minimalistischem, technounterstütztem Ambient und Orchesterszenenwerk. Ignorieren Sie das Wort „ambient“ auf dem Etikett; Dies ist viel zu filmisch und symphonisch, als dass dieser Name viel Sinn ergeben könnte, sondern eher etwas, das einem das Herz höher schlagen lässt. Normalerweise lese ich, während ich Schallplatten höre, aber diese hier dröhnte in meinen Ohren und zwang mich mehrmals, das Buch zu schließen, meine Augen zu schließen und in seine Ozeane einzutauchen. – Langdon Hickman

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Scaring the Hoes als „knusprig“ zu bezeichnen, ist ein Kompliment der Extraklasse. Peggy und Brown hatten bereits bei „Negro Spiritual“ aus Browns Album uknowhatimsaying¿ aus dem Jahr 2019 zusammengearbeitet, aber dieser Titel war alles in allem zahm. Umgekehrt ist „Scaring the Hoes“ das „Danny Brown“, das Danny Brown seit langem gehört hat, eine wandelnde, zerstörerische Truppe aus Hedonismus und Gekicher. Unterdessen ist JPEGMAFIA der heterosexuelle Mann, der Browns Unverschämtheit mit Versen kontert, deren Finger bis zu den Knöcheln im Pulsschlag von Internet-Referenzen und professionellen Wrestling-Samples stecken. Er neigt dazu, seine Beats an die seiner Kollegen anzupassen, was bedeutet, dass er dank Browns Eifer eine Menge zum Spielen hat. Ob „Fentanyl Tester“ und seine Dance-Club-Beats oder das Breakbeats-durchzogene „Jack Harlow Combo Meal“, man hört Peggys Freude darüber, mit jemandem zusammenzuarbeiten, der jede absurde Idee mit „Ja“ beantwortet. – Colin Dempsey

Die frühen Singles, die Kelela im Vorfeld von „Raven“ veröffentlichte, deuteten darauf hin, dass Kelelas elektronische Impulse sich den Klassikern zuwandten – House und Breakbeats der 80er und 90er Jahre, früher Rave und Underground-Kultur. Das stimmt teilweise, aber auch wenn Kelela den Einfluss von Generationen schwarzer und queerer Menschen auf die Gestaltung der elektronischen Musik anerkennt, tut sie dies mit Blick auf die Zukunft. Vom Opener „Washed Away“ an fühlt es sich an, als hätte Kelela ein Portal in die Zukunft geöffnet, das mit Elementen der Vintage-Elektronik durchsetzt ist, aber eine Dancefloor-Utopie präsentiert, in der Freude und Melancholie alle nach dem gleichen Uptempo-BPM-Rezept angeboten werden. Wunderschön, reich an Atmosphäre und eindringlich nachtaktiv – „Raven“ fühlt sich an wie eine Nacht, die man nie enden lassen möchte. – Jeff Terich

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Man kann mit Sicherheit sagen, dass keiner von uns das Jahr 2023 mit der Erwartung begonnen hat, dass die längst verstorbenen Drone-Metal-Schurken Khanate mit ihrer ersten neuen Musik seit 14 Jahren zurückkehren würden, aber es war eine angenehme Überraschung, sie genau das tun zu hören. Darüber hinaus ist To Be Cruel – die erste neue Musik der Band seit 2009 – ihr bisher stärkstes Album. Immer noch von den Erscheinungen und Antagonisten ihrer früheren Arbeit heimgesucht, findet die Gruppe eine interessantere Balance zwischen purer Abnutzung und explorativerer, vom Jazz inspirierter Improvisation wie ihre Kollegen und Nachfolger bei Sumac. Massiv, unvorhersehbar und seltsam, wie nur Khanate sein kann, bekräftigt To Be Cruel, dass selbst eine wiedervereinigte Version der Band nur einen Weg nach vorne kennt. – Jeff Terich

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Yazmin Laceys Debütalbum „Voice Notes“ ist eine selbstreflexive Auseinandersetzung damit, wann der Ruf von innen kommt. Das digitale Skizzenbuch, erstellt mit den Beatsmiths David Okumu, Melo-Zed und JD. Reid umfasst eine Stunde – einen 14-Lieder-Zyklus – und ermöglicht es Lacey, mit Charme in den weiten Gewässern der R&B-nahen Musik zu wackeln, die Betty Carter, Carmen McRae, Badu, Lauryn Hill und Sister Nancy in die zukünftigen Eigenschaften der schwarzen Musik drängt. Immer die entspannte, weniger ist mehr-Sängerin, endlich bekommen wir all die Brillanz, die sie in den letzten fünf Jahren auf ihren EPs beworben hat. Im Intro des Albums, „Flylo Tweet“, schildert sie die Philosophie der Künstlerin elektronischer Musik, dass Selbstbewusstsein ein Kreativitätskiller sei, während hinter ihren Worten ein Beat-Arrangement weht, das cooler als das Beste ist.

„Pass It Back“, mein Favorit (ich bin mir sicher, dass Sie Ihren haben werden), schwingt mit Attitüde, funkt für die Leute, wie etwas, mit dem Kaidi Tatham sein DJ-Set eröffnen würde. Yazmin lässt etwas wohliges Dampf aus ihrer Psyche heraus und lädt dann alle ein, in den Sade-angrenzenden Jam einzutauchen, indem sie für die richtige Atmosphäre sorgt. Macht Lust, bis zum Sonnenaufgang zu rocken. – John-Paul Shiver

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Auf ihrem unkonventionellen und intensiven Debütalbum bieten Mandy, Indiana aus Manchester einen sengenden, aggressiven Noise-Rock, verpackt in Elektronik und atypische Aufnahmetechniken. Angeführt von den mitreißenden Duellen von Valentine Caulfield, die linke Polemiken auf Französisch singen, kombiniert die Gruppe donnernde Trommeln, industrielle Synthesizer und schneidende Gitarren mit absolut grandioser Wut. Die Songs von „I've seen a way“ stellen ein überragendes Maß an Songwriting-Scharfsinn dar, da Lautstärke, Kraft und Intensität mit taktischer Präzision eingesetzt werden. Es ist Innovation ohne Vorwand, Kreativität ohne Aufgesetztheit, Aufrichtigkeit ohne Naivität. – Adam P. Newton

Mehr lesen:Mandy, Indiana möchte dir die Knochen rütteln

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Erin Birgy ist eine der markantesten Singer/Songwriterinnen des letzten Jahrzehnts, die poetische Abstraktion und ebenso abstrakte Art-Pop-Arrangements mit einer Portion unerschütterlicher, schmerzhafter Ehrlichkeit verbindet. End of Everything spielt es in dieser Hinsicht etwas geradliniger und überträgt ihre komplizierten Melodien in direktere, Hook-Forward-New-Wave-Songs mit strahlenden Synthesizer-Tönen, während Birgy über gelebte Erfahrungen nachdenkt, die sowohl von Schmerz als auch von Hoffnung triefen. Der Titel lässt etwas weitaus Düstereres vermuten, und obwohl es mehr als genug Ängste und Niederlagen gibt, ist die Schönheit von „End of Everything“ ein Leuchtfeuer für sich – eine Erinnerung an die Gnade, die wir selbst in einer so grausamen Welt noch finden können . – Jeff Terich

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Die entscheidende Qualität von Dogsbody, dem Debütalbum der New Yorker Noise-Rock-Gruppe Model/Actriz, ist seine Körperlichkeit. Ihre kreischenden Gitarrentexturen verebben, schwanken und pochen und balancieren an der Schwelle von Gewalt und Erotik. Sänger Cole Hayden bewegt sich irgendwo zwischen Ekstase und völligem Zusammenbruch. Es ist kein angenehmes Hörvergnügen – aber was ist Noise Rock überhaupt? Aber was Dogsbody von einer Gruppe wie Chat Pile unterscheidet, ist ihre Fähigkeit, diese Körperlichkeit nicht ausschließlich auf die Eingeweide, sondern auf die Lenden zu übertragen, mit einer Unmittelbarkeit, die sich ein wenig seltsam anfühlt, sogar ein wenig falsch, aber trotzdem, oder vielleicht, unglaublich lustig und aufschlussreich ist sogar deswegen. – Jeff Terich

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„Synth-Punk“ ist ein nebulöser Begriff, der eher Bilder von Experimentalisten von einst als von wichtigen Acts der zeitgenössischen Hardcore-Szene heraufbeschwört. MSPAINT sind fest in der florierenden US-Szene verankert (ihr Label Convulse hat dieses Jahr auch Killer-Veröffentlichungen von Gel und Gumm herausgebracht), sind aber der einzige große Act dort, der klebrige, farbenfrohe Synthesizer anstelle von aggressiven Gitarren verwendet. Die Eigenheiten hören hier nicht auf. Auf ihrem spannenden Debüt „Post-American“ nehmen die Texte von MSAPAINT eine radikal positive Perspektive ein und propagieren Optimismus und die Möglichkeiten der Zukunft. Die Schlusszeilen von „Titan of Hope“, halb gerappt, halb gebellt von Frontmann Deedee, lassen Post-Americans erfrischende Einstellung erahnen: „Mein Mindset ist ein Titan der Hoffnung / los!“ – Tom Morgan

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WOW spielt im beliebtesten Touristenziel des Jahres 2023, einem Ort ohne dreidimensionale Objekte, vollgestopft mit nur den hellsten Farben und wo Launenhaftigkeit die Muttersprache ist. Es ist einfacher, das neueste Album von Kate NV mit solch fadenscheinigen Beschreibungen zu beschreiben, weil es der konventionellen Musiksprache widerspricht. Es fühlt sich eher wie ein Ort als wie ein Album an, da seine funkelnde Palette eher zum Faulenzen als zum Fortschreiten geeignet ist, sich wie das Hauptmenü eines Videospiels spielt und Sie dazu einlädt, bei allen Vergnügungen mitzumachen, die es zu bieten hat, und Geschichten über herausrollende Früchte enthält von Schubkarren (wie albern!), Hymnen, die Ambivalenz feiern („dd don't“), und Paraden wie ein springender Ball auf einem Squashplatz. Es ist einfach eine Erleichterung. – Colin Dempsey

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Paramores sechstes Album This Is Why ist eine Sammlung von 10 Songs, die jeweils die Art von lockerer, selbstbewusster Musikalität ausstrahlen, die nur einer Band abgerungen werden kann, die genau weiß, was sie tun will und genau weiß, wie sie es umsetzen muss. Die Begeisterung für ihr Handwerk spiegelt sich in jedem Bass-Groove, jedem stammelnden Gitarrenriff und jedem unkonventionellen Schlag auf der Hi-Hat wider und schafft Songs, die vom zierlichen, traumhaften „Crave“ bis zum aggressiveren „The News“ reichen, das es einfach könnte Über fit on Riot! wenn jemand mit der Verzerrung herumspielt. Das fühlt sich an wie das Album, auf das Paramore im Laufe ihrer Karriere hingearbeitet haben, aber noch inspirierender ist, dass es das Album ist, von dem Paramore bis vor Kurzem nicht wusste, dass sie dazu fähig wären. – Ed Brown

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Pile etablierte sich durch Alben wie Dripping aus dem Jahr 2012 als linke Kraft im Indie-Rock und Post-Hardcore, doch mehr als ein Jahrzehnt nach diesem frühen Karrierehöhepunkt entfernen sich Rick Maguire und Co. immer weiter von konventioneller Rock- und Punkmusik – zu spektakulärer Effekt. Es ist schon eine Weile her, dass die Gruppe etwas gemacht hat, was man als „geradlinig“ bezeichnen könnte, aber auf „All Fiction“ durchdringt der Einfluss musikalischer Gestaltwandler wie Björk ihren Sinn für Atmosphäre. Manchmal drohen All Fiction, gerade rechtzeitig zu einem donnernden Rock-Höhepunkt ein elektronisches oder Ambient-Pop-Album zu werden, als Art-Rock-Bilderstürmer, die aus unwahrscheinlichen Teilen einige ihrer einprägsamsten Songs erschaffen und zur bisher stärksten Version ihrer selbst werden. – Jeff Terich

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Die ehemaligen Industriestädte Großbritanniens produzieren unglaublichen Doom Metal: Black Sabbath, My Dying Bride, Godflesh, Iron Monkey. Zu dieser Liste hinzufügen Schweine Schweine Schweine Schweine Schweine Schweine Schweine aus der nördlichen Hafenstadt Newcastle. Die Herangehensweise der Band an das Genre ist fröhlich und witzig, eine Stimmung, in der ihr neuestes (und bestes) Album Land of Sleeper schwelgt. Die Riffs von „Big Rig“ und „Mr Weatherman“ sind ein zugänglicher Genuss und beweisen, warum die Band eine Auszeichnung erhalten hat folgt von jenseits der Metallsphäre. Während Land of Sleeper jede Menge solchen Nervenkitzel bietet, beeindrucken auch ausgefallenere Stücke wie „Ball Lightning“ und das gruselige „The Weatherman“ und bringen Pigs x7 mühelos in aufregende neue Formen. – Tom Morgan

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Auf Andy Shaufs Norm verschmelzen zarte, funkelnde Instrumentalstücke mit Shaufs augenzwinkernder Herangehensweise an die Lyrik, neigen sich im richtigen Moment zur Selbstironie und spielen mit der Stille seiner nostalgischen Grübeleien. Der herausragende Titel „Wasted On You“ setzt Geigen ein, um Shaufs ständiger Frage, ob seine Liebe „an dich verschwendet“ wurde oder nicht, eine unterbrochene Dreistigkeit zu verleihen. Das Album als Ganzes trägt Shaufs charakteristische Art von Softrock und vermischt Synthesizer und zarte Gitarren, um Sehnsucht und Hoffnung hervorzuheben. Es sprüht auf zufriedene Weise vor Melancholie und thematisiert Shaufs inneren Monolog auf und ab mit bezaubernden Synthesizer-Melodien. – Virginia Croft

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Auf dem vierten Album des Brooklyn-Trios Spotlights erkennt die Gruppe auf tiefgreifende Weise, wer sie sind. Mehr Post-Hardcore als Metal, die aufsteigende atmosphärische Intensität von Alchemy for the Dead empfindet die Grenzen selbst dieses Begriffs als einschränkend. Dies trifft genau den Punkt, an dem es klanglich schwer und nicht rein metallisch ist. Alchemy for the Dead wird nicht von Aggression angetrieben, sondern von einem direkten Ausdruck des Staunens, da ihre introspektiven Texte und atemberaubenden Vocals sowohl synkopierte Grooves als auch hypnotische Riffs verfolgen, die in den Himmel dröhnen. Doch die Band tut so viel mehr, als nur die richtigen Sounds auszuwählen, sondern sie akribisch in einige ihrer denkwürdigsten Songs einzubinden. – Wil Lewellyn

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Hier bei Treble sind wir fest davon überzeugt, dass 2023 das Jahr der Disco ist. Auf dem Gipfel dieses glitzernden Berges steht Königin Jessie in ihrer königlichen Pracht. Auf ihrem brandheißen neuen Album mit dem frech betitelten Titel That! Fühlt sich gut an! Ware liefert ein tadellos gestaltetes Projekt, das davon schwelgt, wie locker und unterhaltsam es ist. Diese zehn kinetischen Tracks können einfach nicht still sitzen, und sie weiß genau, wann sie sie ein wenig ins Schwitzen bringen und dann einen Schritt zurücktreten muss, um etwas zu lüften. Die Musik beginnt mit dicken Bass-Grooves und synkopierten Snare-Anschlägen, geht wellenförmig in die warmen Tasten über und fließt dann in die verführerischen Gitarrenriffs und Bläserbläser über, bevor sie schließlich mit Wares leidenschaftlichem Alt eine süße Entspannung findet. Das gesamte Projekt ist im besten Sinne unverschämt geil. – Adam P. Newton

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Während das Gespenst KI-erstellter Musik in der ersten Hälfte dieses Jahres den Diskurs dominierte, bot der Mittwoch in Asheville, North Carolina, eine ebenso verblüffende Widerlegung der Idee einer Zukunft maschinell lernenden Hörmaterials. Rat Saw God, das vierte Album von Wednesday, verpackt Schnappschüsse autobiografischer Erzählungen in Sinneserinnerungen und Spuren von Nostalgie und Trauma – Teenager, denen der Magen wegen einer Überdosis Benadryl vollgepumpt ist, die pissfarbene Fanta trinken und auf der Rückfahrt Drive-By Truckers hören Dollywood und das Anzünden von Feldbränden durch das Abfeuern von Flaschenraketen. Karly Hartzmans ergreifende, witzige und charmant seltsame Erzählung findet in den Arrangements von Wednesday eine ebenso eigenwillige Untermalung, die von Hook-geladenem Alt-Country zu dichten Riffs im Sonic-Youth-Stil reicht, einer Mischung aus Klängen und Erfahrungen, die zu spezifisch und zu seltsam menschlich sind, um irgendwoher zu kommen anders. Ganz zu schweigen davon, dass ein Algorithmus niemals so krasse Riffs hervorbringen könnte. – Jeff Terich

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Es ist schwer, sich eine Rap-Platte mit mehr Treblecore als dieser vorzustellen. Durch die Verschmelzung experimenteller elektronischer Musik, Indie-Töne und -Texturen und dreckiger Street-Level-Reime, die mit einem Post-MF-Doom-Fluss schweben, ist es unmöglich, sich eine Welt vorzustellen, in der Maps für uns keinen hohen Stellenwert hat. Billy ist mitten in einer wilden Heißhungerattacke und er weiß es; Es steht zwar zur Debatte, ob es „Aethiopes“ (unser Album des Jahres 2022) als bestes seiner aktuellen Erfolgsserie verdrängen wird, aber es wird auf jeden Fall als solides W-Rap-Album in die Geschichte eingehen. Sein Flow ist wie immer die wahre Waffe hier, wie ein Voltron der besten Elemente des besten Wu-Tang in seiner Blütezeit. Er ist unglaublich gut. – Langdon Hickman

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Es kommt nicht oft vor, dass ein Musiker ein Album veröffentlicht, das alle seine bisherigen Werke übertrifft, aber Yaejis Debütalbum „With A Hammer“ spaltet sich aufgrund seiner schieren Qualität deutlich von ihren früheren Veröffentlichungen ab. Die New Yorker/Südkoreanische DJ und Rapperin schien irgendwann in den letzten drei Jahren die Hyperbolic Time Chamber betreten zu haben und entwickelte sich zu einer Künstlerin, die auf einem ganz neuen Niveau agiert und ihre zuvor für Clubs geeigneten Beats in etwas seltsameres bringt. With A Hammer demontiert auch die Praxis, Musik als Mittel zur Selbstidentifikation zu nutzen. Stattdessen nutzt Yaeji es zur Selbstreflexion und füllt ihre Spuren mit therapeutischen Offenbarungen, die Jahre, nachdem sie ihre unterdrückten Gefühle verarbeitet hatte, kamen. Das heißt, dass With A Hammer voller Zeilen ist, die einen dazu zwingen, sich selbst und seine Überzeugungen zu überprüfen, wie zum Beispiel: „Ist es nicht so seltsam, wie wir lernen, etwas weiterzugeben, was wir nicht tun wollten?“ „Es ist unsere Mission in diesem Leben, die Zyklen zu durchbrechen und dafür zu sorgen, dass du die Zyklen in Ordnung bringst?“ – Colin Dempsey

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Der Titel von Yo La Tengos letztem Album mit originellem, liedbasiertem Material bezog sich auf Sly Stone inmitten eines Amerikas, das von Tag zu Tag angespannter wird; Der Titel des Nachfolgers scheint die Gruppe dazu zu bringen, resigniert die Hände darüber zu heben, dass seitdem nichts wirklich besser geworden ist. Aber auf „This Stupid World“ gibt es trotzdem eine Freude und einen Elan – Frustration und Resignation ebenso, aber niemals eine Niederlage. Die Chemie und das Freiheitsgefühl der Band sind so stark wie nie zuvor und haben eine Reihe von Songs hervorgebracht, die sich nicht an das Vorhergehende gebunden fühlen, sich aber dennoch bequem in das Gesamtwerk der Band einfügen, von den sanftesten Meditationen bis zu den wildesten verzerrten Freakouts . Wenn es in der Musik von Yo La Tengo immer noch Angst und Unsicherheit gibt, arbeiten sie damit auf die beste Art und Weise, die sie können – durch die einfache, unermessliche Freude, gemeinsam Musik zu machen. – Jeff Terich

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Mit einem frechen, mutigen und experimentellen Ansatz kreiert Yves Tumor auf „Praise A Lord Who Chews…“ eine neue Ladung explosiver Popsongs. Jeder Titel zeigt ihren sich weiterentwickelnden, durchweg unkonventionellen Ansatz; „God Is A Circle“ liest sich wie eine heftige Interpretation des Alt-Rock der 90er Jahre, während „Heaven Surrounds Us Like a Hood“ einen psychedelischen, funkigeren Ton annimmt und „Meteora Blues“ in seiner reduzierten Form Anklänge an Post-Punk aufweist. leiser Gitarrensound. Während jeder Song seine eigene Identität haben mag, gibt es einen Zusammenhalt innerhalb der Musik, der sie zusammenhält, und das Album findet seine eigene Nische voller Leben. – Virginia Croft

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