Eine mündliche Geschichte von „Lilo & Stitch“, A Hand

Dieser Artikel wurde in One Great Story, New Yorks Leseempfehlungs-Newsletter, vorgestellt. Melden Sie sich hier an, um es jeden Abend zu erhalten.

Wenn man sich „Lilo & Stitch“ anschaut – sei es zum ersten Mal oder zum 40. Mal – ist es immer eine kleine Überraschung zu entdecken, dass es in den entlegensten Winkeln des Weltraums beginnt, im Hauptquartier der Galaktischen Föderation auf dem Planeten Turo. Man vergisst, dass der Disney-Film von 2002, geschrieben und inszeniert von Christopher Sanders und Dean DeBlois, technisch gesehen Science-Fiction ist: die Geschichte einer unglaublich mächtigen und zerstörerischen experimentellen Kreatur, die von einem verrückten Wissenschaftler aus einer außerirdischen Welt erschaffen wurde und abstürzt. landet auf der Erde und findet auf Hawaii eine liebevolle Familie. Diese erschütternde Diskrepanz zwischen dem großartigen interstellaren Rahmen des Films und der sanften, intimen, sogar zurückhaltenden Natur seiner Geschichte ist Teil des unorthodoxen Charmes von „Lilo & Stitch“, einem Film, der so wunderbar seltsam ist, dass man kaum glauben kann, dass er jemals gedreht wurde.

Visuell ist der Film ein Wunder. Die abgerundeten Charaktere, die auf Sanders‘ Entwürfen basierten, standen in scharfem Kontrast zur übertriebenen Disney-Ästhetik der Zeit. Die Aquarellhintergründe – in einem außerordentlich schwierigen Malformat, das seit den 1940er-Jahren in keinem Disney-Spielfilm mehr zu sehen war – verleihen dem Geschehen eine verträumte und dennoch greifbare Stimmung. Aber was „Lilo & Stitch“ so unauslöschlich macht, ist die Art und Weise, wie es eine Geschichte erzählt, die sich trotz aller Science-Fiction-Verzierungen größtenteils auf Charaktere konzentriert, die wie gewöhnliche Menschen mit Problemen in der realen Welt aussehen und sich auch so fühlen. Ja, es gibt einen dämonischen Agenten des Chaos mit sechs Gliedmaßen und einem Schluck riesiger Zähne. Ja, es gibt Spione aus dem Weltraum (einer mit einem Auge, der andere mit vier), die ihn jagen. Ja, Ving Rhames taucht auf und spricht eine Interpretation seiner Pulp-Fiction-Figur. Aber irgendwie läuft alles auf die bewegende Idee hinaus, dass man seine eigene Familie gründet, und diese Familie bedeutet, dass niemand zurückgelassen wird.

Dieser Film ist die seltsamste und heikelste Kombination. Sogar die Menschen, die es geschaffen haben, wundern sich auch 20 Jahre später immer noch darüber, was sie mit wenig Geld und Zeit schaffen konnten. „Lilo & Stitch“ wurde weit entfernt vom Disney-Hauptsitz in Burbank, Kalifornien, produziert und fast ausschließlich in einem Animationsstudio in Orlando, Florida, mit einer Gruppe junger, hungriger, eng verbundener Künstler produziert, die begierig darauf waren, zu beweisen, was sie leisten können. Was sie schufen, war für Disney einer der wenigen Lichtblicke der frühen 2000er Jahre, in einer Zeit intensiver Gewissenssuche und innerer Machtkämpfe im Unternehmen. Bis heute ist er einer der beliebtesten Disney-Filme.

Während es in den 1990er-Jahren durchschlagende Erfolge wie „Die Schöne und das Biest“ und „Der König der Löwen“ gab, begannen die Walt Disney Studios in der zweiten Hälfte des Jahrzehnts, sich Gedanken über die Richtung ihrer Zeichentrickproduktionen zu machen. Jeffrey Katzenberg verließ das Unternehmen 1994. In den darauffolgenden Jahren konnten teure Titel wie Hercules und Fantasia 2000 die Erwartungen an den Kinokassen nicht erfüllen, während andere Filme offenbar in der Entwicklung stecken blieben. In diesem Umfeld beschloss das Animationshaus, einen kleineren, persönlicheren Film zu drehen, der mit geringerem Budget im Studio des Unternehmens in Florida produziert wurde, das 1989 eröffnet wurde und sich bereits mit der Arbeit an Mulan (1998) hervorgetan hatte. Für die Regie der neuen Produktion wurde Christopher Sanders gewonnen, der „Mulan“ mitgeschrieben und auch an „Die Schöne und das Biest“ und „Der König der Löwen“ mitgewirkt hatte. Zu ihm gesellte sich Dekan DeBlois, der als Co-Leiter der Story bei „Mulan“ eng mit Sanders zusammengearbeitet hatte.

Thomas Schumacher (Kreativmanager bei Disney): Das Ganze begann 1997 auf der Familienfarm von Michael Eisner in Vermont. Ungefähr 21 Personen waren anwesend, darunter Roy und Patty Disney, Peter Schneider und ich. Wir haben Äpfel gepflückt, Kürbisse geschnitzt und über Animation gesprochen. Die Idee war: Lasst uns den Dumbo für unsere Generation machen. Ein Regiefilm, der nicht riesig und kompliziert war und den Animatoren daher mehr Kontrolle darüber geben würde.

Chris Sanders (Co-Regisseur, Co-Autor und Stimme von Stitch): Siebzehn Jahre bevor ich Lilo & Stitch überhaupt vorstellte, wollte ich ein Kinderbuch über dieses kleine Geschöpf machen, das in einem Wald lebte. Es war ein kleines Monster, ohne wirkliche Erklärung, woher es kam. Es ging nur darum, wie er einen Weg fand, dazuzugehören. Aber nachdem ich ein paar Zeichnungen angefertigt hatte, wurde mir klar, dass es sehr schwierig sein würde, die Idee auf, sagen wir, 24 Seiten zu quetschen. Also habe ich es aufgegeben.

Schumacher: Chris war außergewöhnlich. Chris hat erstaunliche Dinge geschaffen. Er hat „Ich kann es kaum erwarten, König zu sein“ gemacht. Er leitete die Story von „Mulan“ und drehte eine der besten Sequenzen – die ganze Szene, in der ihr Vater die Blüte pflückt und sagt: „Die Blume, die in der Not blüht, ist die seltenste und schönste von allen.“ Er entwickelte das Kranspiel für Toy Story. Dieses calvinistische Ding: „Ich wurde auserwählt.“ Das ist alles Chris. Also ging ich zu Chris und sagte: „Jeder möchte, dass dieser nächste Film du bist.“

Sanders: Damals habe ich den Film zum ersten Mal gepitcht. Alles war im Wald mit Tieren angesiedelt.

Schumacher: Die beiden Dinge, die ich zu ihm sagte, waren: „Sie wollen nicht, dass er in einer Welt voller Tiere lebt, die nicht wissen, was ein Außerirdischer ist. Ein Außerirdischer unter Tieren ist nicht so bemerkenswert wie ein Außerirdischer unter Menschen.“ Außerdem sagte ich: „Der Wald ist einfach grün auf grün auf grün.“ Ich sagte: „Stellen Sie sich visuell die Farbe vor.“ Ich habe zunächst Tahiti vorgeschlagen. Ich wollte schon immer dorthin, weil meine Urgroßmutter in Tahiti geboren wurde.

Sanders: Ich hatte eine Karte von Hawaii an meiner Wand. Ich war dort im Urlaub. Eines Tages dachte ich: Moment mal, warum konnte ich es nicht einfach dort hinstellen? Zu diesem Zeitpunkt kannte ich keinen Hawaiianer, an den ich mich wenden konnte, also wandte ich mich einer Roadmap zu und fing einfach an, Namen herauszusuchen. Ich fand Lilo Lane und dort das Wort Nani, und das klang für mich wie Namen. Dann ging ich nach Palm Springs und verbrachte eine Woche in einem Hotelzimmer. Ich dachte: Wenn ich „Alien“ sage, wird jeder eine andere Interpretation dessen haben, was das ist. Deshalb werde ich ein Buch machen, das Zeichnungen enthält, damit sie es verstehen. Ich habe gewissermaßen dieses Kinderbuch geschaffen. Ich habe Stitch gezeichnet und versucht, ein Modell von ihm zu bauen. Es war dieses Konglomerat verschiedener Tiere. Ich hatte ein paar Krabbenstücke, die ich in einem Fischrestaurant gekauft hatte. Ich habe einen Tonkopf gemacht. Ich habe in der Tierpräparationswerkstatt ein paar Glasaugen gefunden. Ich habe das aus Palm Springs mitgebracht und es Tom und der Entwicklungsabteilung gegeben. Da erholte sich Tom und sagte: „Ich mache es, wenn es in deinen Stil passt.“

Dean DeBlois (Co-Regisseur und Co-Autor): Tom Schumacher und Peter Schneider waren von dem Buch begeistert und sagten: „Wir werden es mit einem geringeren Budget machen. Die Bedingung ist, dass Sie nach Florida zurückkehren müssen“ – wo wir gerade „Mulan“ fertiggestellt hatten – „und dieses Studio zum Produzieren nutzen.“ es völlig.“ Florida war zu diesem Zeitpunkt größtenteils ein Satellitenstudio.

Sanders: Ich wusste, dass das der richtige Ort war. Dieses Studio ähnelte den Disney-Studios in den 30er- und 40er-Jahren – junge Künstler, die hungrig und ehrgeizig waren, die sich beweisen wollten und überaus talentiert waren.

Pam Coats (Senior Vice President für kreative Entwicklung bei Disney): Ein Teil der Freude am Studio in Florida bestand darin, dass es etwas abseits vom Alltag lag. Es war außer Sicht, außer Sinn.

Sanders: Ich erinnere mich an den Besuch der Hercules-Abschlussparty, die gigantisch war. Ich traf Michael Eisner. Ich mag Michael sehr, aber wir haben nicht viel gemeinsam. Er ist super nett und ein faszinierender Mensch, aber er liebt Hockey und ich habe keine Ahnung von Hockey. Also unterhielten wir uns ein wenig, und dann sagte Michael: „Nun, ich denke, ich gehe besser raus und geselle mich unter die Leute.“ Und er ging. Es dauerte nicht lange, bis er zurückkam, und als er sich umsah, sagte er: „Ich kenne hier niemanden. Ich glaube, die sind zu groß geworden.“ Er wiederholte etwas, das ich fühlte. Die Dinge waren immer größer und größer geworden. Doch je größer sie wurden, desto unhandlicher. Sie haben größere Budgets, aber das bedeutete, dass Sie auf seltsame Weise vorsichtiger sein mussten.

DeBlois:Dieser Film würde unabhängig vom Netz gedreht werden, fernab der wachsamen Augen der Disney-Führung.

Es ist bekannt, dass es Jahre dauerte, bis Disney-Animationsproduktionen entstanden, meist nach vielen Vorführungsrunden, Notizen der Studioleitung und Umschreibungen. In den späten 90ern und frühen 2000ern gerieten einige teure Disney-Projekte ins Wanken: Treasure Planet; Kingdom of the Sun, das The Emperor's New Groove werden sollte; und Sweating Bullets, die unter anderem zu „Home on the Range“ werden sollten. Die mit der Einmischung von Unternehmen verbundenen Schmerzen machten Autoren, Animatoren und Regisseure verständlicherweise nervös. Christopher Sanders selbst erinnerte sich an mehrere Begegnungen in Disneys Vorführraum in New York City, die ihn lebenslang prägten. „In diesem Raum ist nie etwas Gutes passiert“, sagt er.

Sanders: Jeffrey Katzenberg hat mich einmal nach New York City geflogen, weil er wollte, dass wir „West Side Story“ mit Katzen machen. Ich habe an dieser riesigen Sequenz teilgenommen, in der diese Katzen gegeneinander kämpften. Jeffrey sagte: „Wir fliegen nach New York und Sie werden es Leonard Bernstein vorstellen.“ Plötzlich saß ich im Firmenjet von Disney. Ich ging in den Raum und stellte alle Tafeln auf, und ich übte und ich übte und ich übte. Wie sich herausstellte, erschien Leonard Bernstein nicht zum Treffen. Er schickte Vertreter. Ich bin mir sicher, dass es sich um prominente Persönlichkeiten handelte; Es gab eine Frau, die besonders viele Halsketten trug. Aber man merkte, dass es nicht gut lief. Oh, ich glaube, wir haben vielleicht einen Fehler gemacht, als wir hierher gekommen sind.

Schumacher: Es gab einen weiteren Moment, der Chris wahrscheinlich informierte. Am Ende von „Mulan“ sagt sie: „Vater, ich bringe dir Schätze vom Kaiser, um der Fa-Familie Ehre zu erweisen.“ Sie gibt ihm all das Zeug und er wirft es auf den Boden. Er packt sie, umarmt sie und sagt: „Dich als Tochter zu haben, ist die größte Ehre von allen.“ Es bringt mich jedes Mal zum Weinen, wenn ich es sehe. Mir brechen tatsächlich die Tränen, wenn ich dir diese verdammte Anekdote erzähle. Wir haben es in New York für Michael Eisner gezeigt. Und Mulan stieß Michael überhaupt nicht an. Am Ende schrie er buchstäblich: „Wer ist der Typ auf der Bank?!“ Chris war danach etwas nervös wegen Michaels Notizen.

Sanders: Bei einer Vorführung von „Der König der Löwen“ saß ich zufällig direkt hinter Michael Eisner. Er hatte einen sehr schwierigen Morgen hinter sich. Wir hatten davon schon einmal gehört: „Er hatte einige schlechte Meetings.“ Jeder hatte einen Leuchtstift, sodass man wusste, wenn jemand eine Notiz machte, weil man ein Klicken hörte und ein kleines Licht anging. Ich habe darauf gewartet, dass Michael etwas aufschreibt. Aber ich glaube, er war einfach nur mit dem beschäftigt, was früher am Tag passiert war. Wenn er sich den Film ansah, senkte er den Kopf und schaute zur Seite, und dann senkte er den Kopf wieder, schaute sich um und senkte den Kopf wieder. Das hat er im Laufe des Films immer wieder getan. In diesem entscheidenden Moment – ​​als Simba erwachsen ist und Rafiki trifft, der ihm sagt, er solle ins Wasser schauen. Simba sagt: „Ich sehe nichts.“ Rafiki sagt: „Nein, schau genauer hin.“ In diesem Moment blickt Michael Eisner nach unten. Also erscheint Mufasas Geist und er sagt: „Simba, du bist mehr als das, was du geworden bist. Du bist der einzig wahre König“, und Michael blickt die ganze Zeit nach unten. Mufasa sagt: „Erinnere dich daran, wer du bist.“ Die Wolken ziehen zurück. Und dann schaut Michael auf. Wir gingen danach zum Treffen und Michael sagte: „Ich weiß nicht einmal, warum Simba nach Hause gegangen ist.“ Ich konnte nicht aufstehen und sagen: „Er hat es verpasst! Er hat es nicht gesehen!“ Jeffrey Katzenberg sagt: „Nun, Mufasas Geist kam zurück, um ihn zu holen.“ Michael sagt: „Oh, das habe ich überhaupt nicht verstanden.“ Jeffrey meint: „Wie konntest du das übersehen?“ Michael sagt: „Ich weiß es nicht. Ich habe das einfach nicht gesehen. Was ist passiert? Mustafa, wer?“

So etwas haben Lilo und Stitch nie durchgemacht. Wann immer Tom zu seinen zahlreichen Besprechungen auf dem Hauptgrundstück ging und Michael Eisner anwesend war, gingen sie ihre Tagesordnung durch. Er würde sagen: „Was hat es denn mit dieser ganzen Lilo & Stitch-Sache auf sich?“ Und Tom würde sagen: „Oh, genau das machen wir. Es ist noch nicht wirklich fertig, aber wenn es fertig ist, werden wir es euch zeigen.“ Auch hier mag ich Michael, aber der Film widersetzte sich den Konventionen, und sie hätten wahrscheinlich versucht, ihn in eine Form zu bringen, mit der sie besser vertraut waren. Wie sitzt man da und erklärt: „Nun, ich finde es wirklich cool, dass das Mädchen einen Fisch mit Erdnussbutter füttert“?

Schumacher: Als Dumbo entstand, befand sich Walt in Südamerika. Er war nicht da, als Dick Huemer und Joe Grant diesen Film drehten. Roy Disney war oft mit Lilo und Stitch im Raum, aber Roy war ein außergewöhnlicher Fan und ein großartiger Unterstützer. Er kam einfach herein, gab eine Nachricht und ging.

Clark Spencer (Produzent):Tom kannte wirklich die richtigen Momente, um die Leute einzubeziehen. Die Momente, in denen die Leute sehen konnten, wohin der Film führt, und die Anmerkungen machen konnten, die ihn tatsächlich aufwerten würden, anstatt die Leute dazu zu bringen, zu sagen: „Na, was wäre, wenn das so wäre.“ etwas ganz anderes?"

Kevin McDonald, Stimme von Pleakley: Jetzt, da ich ein alter Mann bin und jedes Gespräch zu mir selbst zurückrufe, kann ich sagen: Die Kids in the Hall waren so! In unserer Originalserie waren wir in Toronto und HBO ist nur sehr selten angeflogen, um uns zu sehen. Lorne Michaels machte den Flug nur einmal im Jahr. Das war hauptsächlich, um seine Familie zu sehen, weil er aus Toronto kommt. Wir waren also auch so versteckt.

Sanders: Wir waren das Äquivalent eines Spionageflugzeugs, das in einem geheimen Hangar mit einer sehr elitären Gruppe von Menschen gebaut wurde. Und das ist ein weiterer Grund, warum Florida magisch war, denn niemand wusste, was in Florida vor sich ging.

Lisa Poole (Assoziierte Produzentin): Da Sie in Florida waren, waren Sie nicht auf dem Mutterschiff. Wenn man Unterstützung aus LA brauchte, musste man etwas lauter brüllen. Aber das gab uns Freiheit. Es gab definitiv einige Dinge, die wir anders gemacht haben. Und als LA das herausfand, gefiel es ihnen nicht, dass wir es anders machten – aber sie konnten den Ergebnissen nicht widersprechen.

Sanders hatte „Lilo & Stitch“ auf Hawaii gedreht, aber er und DeBlois verstanden schon früh, dass sie Außenseiter waren, die einen Film über eine bestimmte Kultur drehen wollten, und dass Hawaii zu lange eine hübsche und exotische Kulisse für Geschichten über Charaktere aus dieser Kultur gewesen war Festland. Es war wichtig, dass Sanders, DeBlois und ihr Team so viel wie möglich recherchierten und mit Einzelpersonen aus der Gemeinde zusammenarbeiteten, um ein authentisches Gefühl für den Ort und die Menschen zu schaffen. Ihre Recherchereisen nach Hawaii waren aufschlussreich und veränderten den Verlauf des Films visuell, musikalisch und erzählerisch.

Ric Shutter (Art Director): Als ich in Hawaii aus dem Flugzeug stieg, konnte ich nicht glauben, wie rein und klar die Farben waren. Auf einer Insel gibt es keinen Smog. Das Grün war grüner, die Fuchsien waren noch fuchsiafarbener, der Himmel war blauer. Da ich Art Director bin und in Städten arbeite und solche Dinge, habe ich noch nie solche Farben gesehen.

Sanders: Unsere Künstler waren mit ihren Staffeleien und ihren Farben überall auf Hawaii unterwegs, denn mit einem Foto wird es nie klappen. Sie müssen vor Ort sein und die tatsächlichen Dinge bemalen, damit Sie mit den tatsächlichen Farben zurückkommen. Sie sammelten Dinge, die die Atmosphäre des Films prägten, und machten sehr sorgfältige Beobachtungen hinsichtlich der Architektur. Wie die Rundungen aussehen, wie die Fensterrahmen aussehen.

Verschluss: Der Sand ist sehr eisenhaltig. Du gehst am Strand entlang und plötzlich sieht es so aus, als hätte ein Riese eine Tüte Kartoffeln fallen lassen, aber es sind Lavasteine, die einfach überall aufgetürmt sind. Eines Tages saßen wir abends am Strand und aßen am Meer zu Abend. Die Sonne ging unter und die Wellen kamen herein. Das Wasser war türkis, aber der Meeresschaum war rosa. „Wie kann es sein, dass der weiße Schaum so stark von der Farbe des Himmels beeinflusst wird, nicht aber vom Wasser?“ Sie werden in der Surfszene sehen, dass wir das gemacht haben. Die meisten Leute hätten dem Wasser einfach weißen Schaum oder graublauen Schaum gegeben. Wir haben es rosa gemacht, weil wir das gesehen haben.

Andreas Deja (leitender Animator für Lilo): Sie sagten: „Hey, Andreas, es sieht so aus, als würdest du am Ende Lilo animieren. Am sinnvollsten ist es wahrscheinlich, dass du in eine örtliche Schule gehst und die Kinder beobachtest, um zu sehen, wie sie sich benehmen.“ Also haben wir das gemacht. Wir hatten einen Reiseleiter, der uns im Bus zu einer Schule brachte. Er sagte: „Die Schulen sind hier ein wenig beschützerisch. Sie mögen es nicht, wenn Festländer herkommen und herumschnüffeln. Ich kann nicht garantieren, dass sie einen reinlassen.“ Ich erinnere mich, dass wir an die Tür klopften und ein Lehrer herauskam. Sie hatte ein paar Fragen, und ich sagte ihr und den wenigen Kindern hinter ihr, dass wir von Disney seien und einen Film über die Insel machen würden. Dieses kleine Mädchen, das gerade Disney gehört hatte, sagte: „Hast du an der kleinen Meerjungfrau mitgearbeitet?“ Ich sagte: „Ja, ich habe ihren Vater gezeichnet“, und sie sagte: „Juhu!“ Dann wurden sie richtig warm mit uns.

Ich nahm ein Skizzenbuch mit und zeichnete ein wenig. Wie unruhig sie in der Schule sind – Mädchen in diesem Alter. Ein wenig davon habe ich in einigen Szenen mitbekommen, als Lilo mit dem Hula-Lehrer darüber spricht, was mit dem Fisch Pudge passiert ist.

Sanders: Dean und ich machten gerade eine Pause in diesem kleinen Café und saßen einfach draußen auf der Terrasse. Dieses Mädchen kam vorbei und setzte sich. Sie war wirklich sauer. Ich erinnere mich, dass sie eine Ukulele hatte. Ich glaube, sie hatte gerade ihren Job gekündigt und schmorte darüber. Dean und ich hatten ein kurzes Gespräch mit ihr. Sie hatte wirklich das richtige Alter und die richtige Einstellung. Sie hatte etwas Aggressives an sich. Wir haben beide erkannt, dass Nani dieser Charakter ist. Da sie die Pflichten eines Elternteils hat, hatten wir Nani etwas erwachsener behandelt, als sie hätte sein sollen. Daraus haben wir eine Lehre gezogen und versucht, Nani diese Energie zu verleihen.

DeBlois:Wir haben die Leute, die wir trafen, sehr sorgfältig beobachtet und versucht, das Gefühl des normalen Lebens in Hawaii in den Film zu kanalisieren, damit er nicht wie Menschen in Hula-Röcken wirkt, die wie Blue am Strand stehen Hawaii oder so ähnlich.

Sanders: Dean und ich haben nichts damit zu tun, eine hawaiianische Geschichte zu erzählen. Man kann solche Geschichten erzählen, aber dann findet man Leute, die dort ein Geschäft haben. Deshalb haben wir uns an so viele Menschen wie möglich gewandt, die dort lebten.

Da Audiospuren häufig vor der Animation von Szenen aufgenommen werden, hat die Stimmbesetzung oft einen großen Einfluss auf die endgültige Form eines Animationsfilms. Während sie mit der Besetzung und Aufnahme der Schauspieler für „Lilo & Stitch“ begannen, erlebten Sanders und DeBlois, wie sich der Film vor ihren Augen veränderte.

Sanders: Wir haben für jede Rolle viele, viele Leute gelesen, und Tia Carrere war eine der allerersten Leute, die hereinkamen. Aber weil sie buchstäblich eine der allerersten Stimmen war, war es sehr schwierig, Ja zu sagen. Man erwartet einfach nicht, dass die erste Stimme, die man hört, die richtige ist. Also lasen wir weiter und lasen und lasen.

Irgendwann kam Calista Flockhart zum Vorsprechen für die Rolle der Nani. Sie schaute auf die Seiten und fragte: „Wie alt ist dieses Mädchen?“ Wir sagten: „Na ja, sie ist 19, 20.“ Sie sagte: „Weil sie nicht wie eine 19 wirkt. Sie benimmt sich wie eine Mutter.“ Bei ihrem Vorsprechen hat sie es jünger gemacht. Etwas weniger verantwortungsbewusst. Emotionaler. Aber je mehr Leute wir lasen, desto mehr kamen wir immer wieder zu Tia Carrere zurück. Sie hat in allen Rollen hervorragende Arbeit geleistet. Die Qualität ihrer Stimme passte so wunderbar zu dieser Figur.

Tia Carrere (Stimme von Nani): Als ich Chris und Dean zum ersten Mal traf, sagten sie: „Nun, Sie kommen aus Hawaii. Was denken Sie über die Geschichte?“ Ich sagte: „Nun, was denkst du über Pidgin?“ Es ist so ein besonderer Rhythmus der Rede. Alle verschiedenen Ethnien – Filipinos, Chinesen, Japaner, Portugiesen, Hawaiianer – arbeiteten alle gemeinsam auf den Plantagen und konnten die Sprachen der anderen nicht sprechen. Deshalb haben sie Pidgin-Englisch zusammengestellt, das aus gebrochenen Wörtern und Phrasen aller besteht die verschiedenen Sprachen. Chris und Dean sagten: „Wie wollen Sie es in die Figur einfließen lassen?“ Ich sagte: „Nun, ich möchte nicht, dass es zu stark ist, wo der Zuschauer es nicht verstehen kann. Nur ein bisschen Pidgin, um diesem Charakter Authentizität zu verleihen.“ Ich war so froh, dass sie dafür offen waren.

Sanders: Wir trafen Tia in einem Restaurant in Pasadena namens Twin Palms. Dean und ich waren zuerst da, und der Typ setzte sich zu uns und sagte: „Okay, bist du bereit zu bestellen?“ Wir sagten: „Nein, wir haben noch jemanden, der zu uns kommt“, und er war völlig verärgert darüber. Er ging weg und wir warteten und warteten. Dann sagte jemand: „Oh, sie ist hier.“ Dean und ich gingen ihr entgegen, und es war diese Limousine. Der Fahrer stieg aus und sagte: „Sind Sie wegen Frau Carrere hier?“ Dean und ich sagten: „Ja!“ Er sagte: „Bist du bereit?“ Wir sagten: „Ja?“ Er öffnet die Tür. Sie trug dieses tolle, aufgesprühte schwarze Lederoutfit. Ich kann es nicht einmal beschreiben. Der ganze Ort kam zum Stillstand. Der Typ, der uns so schlecht behandelt hat, kommt zurück und sagt: „Oh, oh, hallo.“ Ich dachte: „Ja, unser dritter … unser dritter ist da.“

Es war ein fantastisches Abendessen, weil sie so freundlich und bodenständig war, und zu diesem Zeitpunkt kam das Lied „Aloha Oe“ in den Film. Tia hatte das Drehbuch gelesen. Einer unserer schwierigen Momente war, als Nani Lilo erzählte, dass sie getrennt werden würden. Es fiel uns schwer, die richtigen Worte zu finden. Es war einer von Tia Carreres Vorschlägen, dass sie Lilo dieses Lied singen sollte. Es war ein wunderschöner, ehrlicher, sehr aufrichtiger Moment.

Karriere: Ich glaube, Chris hat mich gefragt: „Wie würdest du dich auf Hawaiianisch verabschieden?“ Ich sagte: „Nun, da ist dieses berühmteste hawaiianische Lied, ein Liebes- und Abschiedslied, geschrieben von Königin Liliʻuokalani im Palast, und es ist ‚Aloha Oe‘.“ Sie sagten: „Kannst du für uns singen?“ Und sie sagen: „Oh mein Gott, das ist perfekt.“

Sanders:Als wir in der Aufnahmesitzung waren, rief sie sogar ihre Großmutter an, um sich zu vergewissern, dass sie alle Worte genau richtig verstanden hatte.

Karriere: Später, als ich die PR für Lilo & Stitch machte, machten wir ein TV-Special auf Hawaii. (Kelly Slater hielt einige Vorträge über die Surfszenen.) Der Regisseur sagte: „Hey, kannst du ‚Aloha Oe‘ singen?“ Ich sagte: „Kann meine Oma Harmonie mit mir singen?“ Wir saßen unter einem Banyanbaum auf Hawaii und sie sang die Harmonie. Viel später, auf ihrem Sterbebett im Krankenhaus, war es eines der letzten Dinge, die wir taten. Ich sang mit ihr „Aloha Oe“ und sie harmonierte mit mir. Mein Cousin spielte Ukulele. Das ist so tief für mich. Dieses Lied.

Sanders: Ich glaube, dass Charaktere dazu neigen, Dinge zu meiden. Weil ich es in meinem eigenen Leben tue. Wenn Nani also „Aloha Oe“ singt, verabschiedet sie sich von ihrer Schwester, stellt sich dem aber nicht wirklich. Das hat für den Film wunderbar funktioniert. Wenn da nicht Tia gewesen wäre, die die richtige Stimme hätte, die Hawaiianerin war, die perfekt für die Rolle geeignet war und dazu beigetragen hat, das in die ganze Geschichte einzubringen. Ein großartiger Schauspieler, der für die Rolle geeignet ist, wird den Verlauf des Films verändern.

Karriere: Sie fragten mich nach anderen Dingen wie: „Wenn dich jemand fast mit dem Auto anfährt, was würdest du sagen?“ Ich sage: „Oh, du dummer Kopf.“ Es ist wie so eine Hawaii-Sache. Und wenn ich zu Lilo sage: „Oh, Lilo, du Lolo.“ Dies sind Redewendungen, die wir in Hawaii verwendeten, als ich aufwuchs.

Jason Scott Lee (Stimme von David Kawena): Tia hat mich ins Bild gebracht. Sie wurde zuerst gecastet und so machte sie den Vorschlag, mich daran teilhaben zu lassen.

Sanders: Als wir Jason trafen, hörten wir alle Dialoge in seiner Stimme, und das prägte und veränderte alles. Jason konnte in nur wenigen Worten das tun, was wir wahrscheinlich überschrieben hatten.

Lee: Oftmals sagten die Regisseure: „Oh, versuchen Sie einfach, es so zu machen, wie Sie es als einheimisches hawaiianisches Kind machen würden.“ Also würde ich das tun. Sie sagten: „Oh, das ist großartig. Das behalten wir. Das behalten wir.“ Ihnen gefiel die Kadenz – es ist ein sehr spezifischer Singsang-Rhythmus. Wir würden es in weniger hawaiianischem Pidgin-Englisch lernen und uns dann ein bisschen mehr darauf einlassen, ein bisschen mehr, und es dann vielleicht richtig knallhart machen und uns dann zurückziehen. Es war dieses Hin und Her. Ich denke, es gibt eine Zeile, die heraussticht und die eine sehr lokale Sache war. Als sie über Stitch sprechen, fragt David: „Bist du sicher, dass es ein Hund ist?“ Das ist eine Art Pidgin-Englisch. Ich glaube nicht, dass sie wussten, dass es so gelesen werden würde, aber sie behielten es bei.

DeBlois: Die Rolle, die am schwierigsten zu besetzen war, war Lilo. Wir haben so viele Mädchen vorgesprochen.

Sanders: Wir waren überall herumgelaufen. Wir hatten Durchsuchungen in Hawaii durchgeführt. Wir wollten eine hawaiianische Stimme. Wir konnten keinen finden. Kinder sind hart, weil man in gewisser Weise ein Kind will, das kein Schauspieler ist. Es gibt viele Schauspieler, und wenn wir sie lesen, stellen sie sofort fest, dass sie die Dinge auf eine Weise übertreiben, die falsch klingt. Es war süßlich.

DeBlois: Erst als Daveigh Chase mit dieser gehetzten Art und diesem wirklich trockenen Auftreten hereinkam. Aber dann explodierte sie vor der Kamera, als sie den Text vortrug. Sie konnte zwischen einer Art gehetzten und düsteren Stimmung und einer übertriebenen Aufregung über Dinge wechseln.

Sanders:Wir nahmen die Stimme, die wir bei diesem Vorsprechen aufgenommen hatten, legten sie über die Figur und dachten: „Sie ist die Richtige.“

Deja: Daveigh Chase war Lilo. Ob sie im wirklichen Leben wie Lilo war oder nicht, weiß ich nicht. Aber sie hatte diese Art von Sachlichkeit. Sie lebte in ihrer eigenen Welt, die für sie vollkommen Sinn ergab, und warum verstehen Erwachsene das nicht, weil sie laut geschrien haben? Lilo hielt viele Gefühle zurück und kommunizierte durch sehr subtile Bewegungen und Gesichtsausdrücke. Auch wenn sie mit ihrem runden Kopf und dem großen Mund wie ein weit gefasster Charakter wirkte – als könnte sie ein Mitglied der Charles Schultz Peanuts-Familie sein – war sie am Ende eine Figur, die viele Probleme hatte und Dinge in sich kommunizierte eigenen Weg.

Karriere: Es ist irgendwie lustig, dass ich Lilo erst bei der Premiere in LA getroffen habe. Sie sagte: „Hallo, ich bin Daveigh, ich spiele Lilo.“ Ich denke: „Oh mein Gott.“ Sie hatte eine bezaubernde kleine Stimme. Wahrscheinlich hätten sie heute ein kleines hawaiianisches Mädchen gecastet, aber es gab nicht den Talentpool, aus dem sie schöpfen konnten, weil es nicht so viele Leute in der Branche gab und schon gar keine kleinen Kinder. Sie hatte dieses freche Kleinkind-Ding. Das Komische ist, dass sie sich von Lilo und Stitch zu dem gruseligen Mädchen entwickelt hat, das in „Der Ring“ aus dem Brunnen kommt. Das war bizarr. Ich war schockiert.

Sanders: Wir hatten die Entscheidung getroffen, Stitch nicht zu besetzen. Er hatte nie die Absicht zu sprechen. Er würde das Äquivalent von Dumbo sein. Er würde Geräusche machen, aber er würde nie etwas verbalisieren. Das blieb fast sofort auf der Strecke und uns wurde klar, dass er hier und da ein paar Worte sagen musste.

DeBlois: Für die Stimme von Stitch sagten sie immer wieder: „Naja, nein, wir werden einen echten Schauspieler finden, den wir für die Promotion einsetzen können.“ Aber bei der Erstellung der Scratch-Tracks, die zu unseren Story-Reels gehörten, hat Chris die ganze Zeit diese Stimme gesungen. Mit dieser Stimme hinterließ er mir wirklich verstörende Sprachnachrichten. Ich sagte: „Machen Sie einfach diese Stimme. Es ist in Ordnung. Irgendwann müssen wir auf jemanden wie Danny DeVito zugehen und ihn bitten, eine Menge animalisches Grunzen und unanständige Geräusche von sich zu geben.“

Sanders: Wir dachten: „Oh mein Gott, wir können uns nicht auf eine Sache einlassen, bei der wir einen echten Schauspieler haben und uns sagen: „Nein, könntest du einfach ein paar dumme Geräusche machen?“ Sie wissen nur, dass Stitch plötzlich all diese Reden halten würde.

DeBlois: Aber es ist einfach nie passiert. Schließlich harmonierten die Bilder so gut mit der Stimme, dass Chris die offizielle Stimme von Stitch wurde.

Sanders:Ich muss jedoch sagen, dass jedes Mal, wenn wir Publikumskarten bekamen, das die am schlechtesten bewertete Sache im Film war – Stitchs Stimme.

McDonald: Ich war vor zwei oder drei Jahren nach Los Angeles gezogen und alle sagten: „Du hast eine Cartoon-Stimme; du solltest in Cartoons sein.“ Ich war in einem Zeichentrickfilm zu sehen und dachte, Zeichentrickfilme seien schrecklich. Es ging um einen Hund oder so. Der Typ, der den Cartoon erstellt hat, war nett zu mir – die Leute sind nett zu Kids in the Hall, weil wir wie eine Sekte sind –, aber zu allen anderen war er gemein. Der Hauptdarsteller, der ziemlich groß war – er hat wahrscheinlich in der High School Football gespielt –, habe ich einmal im Flur weinen sehen. Also dachte ich: „Na ja, ich habe es mit Zeichentrickfilmen versucht. Es ist schrecklich.“

Dann hatte ich ein weiteres schreckliches Erlebnis. Erinnern Sie sich an die Tom-Kenny-Show „CatDog“? Ich wollte … Was war er? Hund? Ich wollte Cat sein. Aber der Typ, der es geschaffen hat, wollte, dass ich es in einer Figur mache, die ich mit den Kids in the Hall gemacht habe. Der „wird es schaffen“-Typ. „Wird gemacht, ist mir entfallen.“ Dieser Kerl. Sehr zurückhaltend. Aber Nickelodeon wollte, dass ich es mit hoher Energie mache! Vielleicht wäre Marlon Brando in der Lage, zurückhaltend und mit viel Energie zu agieren. Ich bin nicht Marlon Brando. Es war einer der beiden Momente in meinem Leben, in denen ich glücklich war, als ich erfuhr, dass ich gefeuert wurde. Also dachte ich, Cartoons wären fertig. Dann baten sie mich, für Lilo & Stitch vorzusprechen.

Sanders: Chris Williams war bei dem Film dabei und Dean und Chris Williams sagten beide: „Oh, Kids in the Hall, Kevin McDonald, das ist Pleakley.“ Ich war nicht vertraut. Sie sagten: „Wir werden ihn hereinkommen lassen.“ Er kam herein und plötzlich war da die Figur.

McDonald: Dean war Kanadier. Es gibt so viele Kanadier im Animationsbereich. Wie auch immer, er wollte, dass ich eine andere Figur mache, die ich in der Skizze „Kids in the Hall“ gemacht habe, in der ich einen passiv-aggressiven Kerl spiele: „Nein, nein, das sage ich nicht. Glaubst du, ich habe das gesagt?“ Das Vorsprechen verlief gut. Dann riefen sie mich zurück und ich tat dasselbe. Dann riefen sie mich erneut zurück. Ich glaube, ich hatte fünf Rückrufe. Dass sie wirklich für mich gekämpft haben, habe ich erst ein paar Jahre nach der Premiere des Zeichentrickfilms herausgefunden. Disney wusste nicht, wer ich war. Ich musste ständig Rückrufe tätigen, nicht so sehr, um es ihnen zu beweisen, sondern um sie zu zermürben. Das war wirklich der Anfang für mich. Jetzt habe ich 10 Millionen Cartoons gemacht.

Sanders: Sie schreiben genug, um ein Zeichen einzurahmen, aber der Rahmen ist leer. Und dann ist plötzlich jemand wie Kevin McDonald im Bilde, und jetzt wird sich alles ändern.

McDonald: Ich weiß, mein Instinkt tendiert immer dazu, sich einfach für die Komödie zu entscheiden. Es war definitiv eine komödiantische Figur, aber ich habe es wahrscheinlich eher in diese Richtung getrieben. Weil es unmöglich ist, etwas anderes mit mir zu machen. Nicht, dass ich so gut in Comedy bin, aber ich bin nur Comedy.

Ich glaube, sie wollten eine Laurel-and-Hardy-Sache mit Pleakley und Jumba. Wir waren definitiv die Handlanger der Comedy. Natürlich hatte David Ogden Stiers die dramatischeren Aufgaben zu erledigen. Wir wurden Freunde, ich liebte ihn wirklich und ich lernte sehr früh, M*A*S*H nicht zu erwähnen. Das Witzigste, was er jemals zu mir sagte, war: „Ich war bei fünf Woodys, wissen Sie.“ Es war die seltsamste Freundschaft aller Zeiten.

Ich habe ihn tatsächlich erst bei der Premiere getroffen! Sie brachten uns für eine Woche nach Florida und da traf ich ihn, freundete mich mit ihm an und blieb mit ihm in Kontakt. Und dann haben wir die TV-Show zusammen gemacht. Sie waren nett zu uns; Sie ließen immer einen von uns fertig werden, während der andere anfing, also sagten wir uns immer „Hallo“.

Sanders: Die Sozialarbeiterin Cobra Bubbles begann so, wie man es erwarten würde: dieser neblige, dünne kleine Kerl, der sich sehr an die Vorschriften hält. Er hätte Bibliothekar sein oder beim DMV arbeiten können. Irgendwann haben wir tatsächlich Jeff Goldblum wegen der Stimme angesprochen. Es war großartig, ihn kennenzulernen, und er war so ein Charakter, aber er lehnte es schließlich ab. Das war der Moment, in dem wir weggingen und sagten: „Ist das wirklich der Charakter, den wir wollen? Ist er interessant genug?“ Also kam uns die Idee, einfach in die entgegengesetzte Richtung zu gehen.

DeBlois: Wir dachten: Nein, er muss einschüchternd sein. Er muss ihnen wirklich Gottesfurcht einflößen. Und zu dieser Zeit stellten Ving Rhames und die Figur, die er in Pulp Fiction spielte, einen hohen Grad an Einschüchterung dar. Wir hatten einfach den Mut, auf ihn zuzugehen.

Sanders: Als wir Ving Rhames zum ersten Mal trafen, nahmen wir ihn in Vegas auf, und ich glaube, er drehte einen Boxfilm. Wir waren beide sehr nervös, ihn kennenzulernen. Die Tür zum Studio öffnete sich, er kam herein und wir sagten: „Oh, hallo Mr. Rhames“, und er schüttelte uns die Hände und ging einfach vorbei, ging direkt in die Kabine, setzte das Headset auf und schaute nach oben. Sowohl Dean als auch ich sagten „Oh, okay“ und rannten los, um uns in Position zu bringen. Dann hielt er irgendwann inne und fragte: „Wer hat das geschrieben?“ Dean und ich sagen beide: „Na ja, das hat er.“ Wir zeigten tatsächlich aufeinander. Es entstand eine Pause und er sagte: „Weil es gut ist. Es gefällt mir.“ Er war sachlich, arbeitete wie verrückt und war so gut.

DeBlois: Er machte den Satz und schaute dich dann mit diesem ungeduldigen Blick an, und wir versuchten, ihm die Richtung zu geben. Er würde die Leitung auf Sie richten. Er würde also ins Mikrofon sprechen, aber er würde mit dieser gerunzelten Stirn und dieser tiefen Stimme, diesem massiven Körperbau auf Sie drängen und Sie anstarren.

Wie in fast allen Disney-Filmen würde Musik auch in Lilo und Stitch eine enorm wichtige Rolle spielen. Bei diesem Film gab es jedoch zusätzliche Herausforderungen bei der Erstellung eines Soundtracks, der organisch zwischen Elvis-Songs, traditioneller hawiianischer Musik und einer Orchestermusik wechseln konnte. Darüber hinaus war Hula ein Schlüsselelement des Films, und die Filmemacher wussten, dass es Teil einer weitaus komplexeren Welt war, als sie in der Vergangenheit in Film und Fernsehen gezeigt wurde.

Sanders: Du solltest dich nicht mit Hula anlegen. Wissen Sie, manche Leute halten Hula für so eine alberne Sache. Gilligans Insel. Sie verkleiden sich in Hula-Röcken und machen sich über den Hula lustig – so hat Hollywood das gemacht. Was wir von allen, mit denen wir uns beraten haben, sehr schnell gelernt haben, ist, dass man das nicht tut.

Karriere: Nun, es ist ein Mittel zum Geschichtenerzählen, und es gibt bestimmte Hula-Schulen aus verschiedenen Kumus, den Lehrern, die es weitergegeben haben. Es ist eine ganz besondere und ganz besondere Kunstform.

DeBlois: Für Chris und mich ist Musik die halbe Miete. Es erledigt die ganze schwere emotionale Arbeit. Also sagten wir: „Welches Budget Sie uns auch geben, wir wissen, dass es weniger sein wird als das typische Feature bei Disney, aber stellen Sie sicher, dass wir einen erstklassigen Komponisten bekommen.“ Ganz oben auf unserer Liste stand Alan Silvestri. Alan ist so neugierig, dass er begann, alles zu durchforsten, was er über traditionelle hawaiianische Musik finden konnte.

Alan Silvestri (Komponist): Wir wollten diesen traditionelleren hawaiianischen Einfluss in einige der Lieder einbringen und stellten fest, dass echte traditionelle hawaiianische Musik einen sehr tiefen, heiligen Aspekt hat. Es ist eine sehr gepflegte Tradition aus Hawaii.

Sanders: Ich bin zum Virgin Megastore gegangen, um nach Musik zu suchen, und dort gab es etwa zwei CDs mit hawaiianischer Musik. Die Abteilung für afrikanische Musik war riesig, jede Menge CDs, aber im hawaiianischen Teil waren es zwei. Wir haben herausgefunden, dass das daran liegt, dass die Parameter sehr klar sind, was man mit dieser Musik machen kann und was nicht. Wir wollten diese Musik orchestrieren. Wir wollten diese hawaiianischen Themen aufgreifen und in einen Film verwandeln. Und das ist so etwas wie ein Tabu.

DeBlois: Dann stieß Alan auf einen Mann namens Mark Keali'i Ho'omalu, der ein Kumu-Hula war – ein Hula-Meister, der in der Bay Area lebte. Es war nur ein Einkaufszentrum in diesem alten Karate-Studio neben einem Donut-Laden, den er in ein Hula-Studio verwandelt hatte.

Silvestri: Er hatte ein Ladengeschäft in einem Einkaufsviertel, wie es heute viele Kirchen haben. Dort versammelten sich seine Schüler, trafen sich und erledigten gemeinsam ihre Arbeit. Wir saßen da und Mark war eine echte Kraft. Er war ein sehr mächtiger Mann.

DeBlois: Mark galt als eine Art Rebell, weil er diese alten Gesänge übernahm, und seine Versionen davon enthielten einfach viel Melodie und Harmonie und Brüche in der Tradition, die meiner Meinung nach von manchen Puristen als Sakrileg angesehen wurden. Aber für andere brachte er einer neuen Generation alte hawaiianische Musik näher. Alan hat ihn beim Singen dieser verehrten alten hawaiianischen Gesänge aufgenommen, die Musik jedoch so vertont, dass sie der Musik diese erstaunliche Breite und Bandbreite sowie eine sehr filmische Qualität verleiht.

Silvestri: Es war eine sehr interessante Werbung, weil Mark sehr zurückhaltend war, wie er es hätte sein sollen. Er wollte nicht, dass ein Haufen kommerzieller Dummköpfe mit ihrem Unsinn auf dem heiligen Boden herumliefen. Er war beschützerisch. Es hat eine Weile gedauert, bis wir ihn für uns gewonnen haben.

Lee:Die hawaiianische Gemeinschaft ist sehr sensibel gegenüber dem Zustrom von Außenstehenden und dem Schutz ihrer Kultur.

Spencer: Wir brauchten einen Kinderchor, der das Eröffnungslied singen sollte. Wir machten Aufnahmen mit der Kamehameha School. Wir fliegen also nach Hawaii, wir sind in Honolulu. Wir haben die Kinder nicht singen gehört. Wir wissen, dass sie geübt haben.

Lynell Bright (Musiklehrer an den Kamehameha Schools): Wir lernten ein Lied, „He Mele No Lilo“. Wir sollten es im Mai aufnehmen, aber dann wurde es auf Oktober verschoben. Dann, nach dem 11. September, wurde es auf Dezember verschoben. Zu diesem Zeitpunkt beschlossen sie, ein zweites Lied zu machen, „Hawaiian Rollercoaster Ride“.

Sanders: Wir gehen zur Schule, wir hören die Kinder in ihrer Umgebung singen und Lynell Bright, die Chorleiterin, spielt Klavier. Du bist einfach so emotional geworden. Und man kann sich nicht vorstellen, dass es emotionaler wird, aber es passiert. Wir gehen, um sie aufzunehmen, und in Honolulu gibt es kein riesiges Aufnahmestudio. Wir befinden uns in einem sehr engen Raum, in den nur die Kinder passen. Alle Eltern sind also außerhalb des Studios. Wir sagten: „Nachdem wir mit der Aufnahme fertig sind, können wir die Eltern in Gruppen von 15 oder 20 Personen zusammenbringen, um sich anzuhören, was aufgenommen wurde.“ Sie kamen also herein und … alle weinten. Alle 15 oder 20 Leute, die hereinkamen, weinten. Weil sie das Gefühl hatten, Teil des Films zu sein und die Stimme ihres Kindes für immer und ewig in der Geschichte dabei sein würde. Das war wirklich phänomenal anzusehen. Einige dieser Dinge halten wir einfach für selbstverständlich.

Hell: Ich glaube, Mark Ho'omalus Neffe war im Chor. Und er kam zu einem Konzert im Royal Hawaiian Hotel, wo wir sangen. Ich denke also, dass er die Idee vorgebracht hat. Damals sangen wir immer ein Disney-Medley. Was auch immer der neueste Disney-Film war, das wäre einer der Songs, die wir aufführen würden. Ich bin mir ziemlich sicher, dass die Disney-Veröffentlichung in diesem Jahr „Dinosaurier“ war. Wir dachten: Oh, in diesem Film gibt es keine Musik! Dann bekam ich einen Anruf. „Hey, Disney macht einen Film. Möchtest du dabei sein?“ Ich denke nur: „Was? Das ist ein wahrgewordener Traum!“

John Sanford (künstlerischer Leiter der Geschichte): Chris war schon immer ein großer Elvis-Fan. Die Tatsache, dass er die Elvis-Musik in den Film integriert hat … das war eines dieser Dinge, über die er immer reden würde.

DeBlois: Wir hätten eigentlich nicht gedacht, dass wir (a) jemals in der Lage sein würden, die Musik zu lizenzieren oder (b) Elvis im Film darstellen zu können. Wir dachten, irgendwann würde uns jemand zur Seite ziehen und sagen: „Das kannst du nicht machen.“ Aber Vertreter des Elvis-Nachlasses kamen vorbei, um sich unsere Geschichten anzusehen, und sie standen dahinter. So seltsam, dass wir in Graceland eine Premiere hatten. Wir bekamen eine besondere Führung durch den Tresorraum in Graceland, wo wir einen Blick auf diese verrückten Strassoveralls werfen konnten. Aber ich zeigte auf eine Kiste und sagte: „Was ist das?“ Weil dort „Toilettenartikel“ stand. Und der Führer sagte: „Oh, das waren die Toilettenartikel, die in dem Badezimmer waren, in dem Elvis gefunden wurde.“ Und es gab eine Flasche Hai Karate Eau de Cologne.

Schumacher: Warst du alt genug, um zu wissen, was Hai-Karate ist? Hai-Karate war ein Aftershave, das jeder Sportlehrer trug, nachdem er Old Spice aufgegeben hatte. Ich sagte: „Kann ich es riechen?“ Sie sagt: „Man kann daran schnüffeln, nicht sprühen.“ Also nehme ich es – es ist halb gefüllt – und wir schnüffeln alle daran. Es roch genau wie unsere Sportlehrer. Es war Hai-Karate. Sie würden es verkaufen, Hai-Karate, mit einem Weißen in einem Gi. Ach du lieber Gott. Wie auch immer, Leute in meinem Alter sind mit vielen Einflüssen aufgewachsen, die nicht wirklich großartig sind.

Zu Beginn der Entwicklung von „Lilo & Stitch“ schlug Art Director Ric Sluiter Sanders und DeBlois vor, die Verwendung von Aquarellfarben für die Hintergründe des Films in Betracht zu ziehen. Sluiter war zuvor künstlerischer Regisseur eines Roger-Rabbit-Kurzfilms „Trail Mix-Up“ und hatte in diesem Film Acrylfarbe verwendet, um einen Aquarellstil nachzuahmen. Echte Aquarelle wurden jedoch seit fast 60 Jahren nicht mehr in einem Disney-Spielfilm verwendet, und ein Großteil des handwerklichen Könnens und des Wissens rund um diese Form war in den vergangenen Jahrzehnten verloren gegangen.

Sanders: Ric Sluiter warf einen Blick auf die Dinge, die wir zeichneten, und sagte: „Die perfekte Ergänzung zu Ihrem abgerundeten Charakterstil wären die Aquarellhintergründe, die die Disney-Studios in den 1930er-Jahren routinemäßig anfertigten.“ Dean und ich sagten beide: „Ja, lass uns das machen!“ Was ich später herausfand, ist, dass Ric Sluiter es sehr bereut hat, das gesagt zu haben! Ric ging an diesem Abend zurück in sein Hotelzimmer und malte ein paar Bilder. Eine davon war Aquarell und eine davon wurde mit undurchsichtiger Gouache gemalt – „Der König der Löwen“, „Aladdin“, „Die Schöne und das Biest“, allesamt Gouachen. Ric kam zurück und sagte: „Das ist die Sache: Aquarell wird wirklich schwierig. Seit den 1940er Jahren hat das niemand mehr gemacht. Niemand weiß überhaupt, welche Art von Pigmenten oder Papieren – all diese Dinge sind verschwunden. Sie müssten wiederentdeckt werden.“ . Außerdem muss man wie ein Mal-Ninja sein, um mit Aquarellfarben umgehen zu können.“

DeBlois: Es ist ein sehr gnadenloses Medium, weil man seine Fehler nicht wirklich vertuschen kann. Sie verwenden das Weiß des Papiers als Lichtquelle in Ihrem Bild und tragen nach und nach diese transparenten Farbtupfer auf, um dem Bild Leben einzuhauchen. Wenn Sie bei einem Aquarellbild einen Fehler machen, ist es ruiniert. Du musst zum Anfang zurückkehren.

Sanders: Als Ric uns die beiden Gemälde zeigte und sagte: „Das hier ist Aquarell und das hier ist Gouache, die wie Aquarell aussehen soll“ – und Ric hat wirklich hart gearbeitet; Diese Gouache kam dem Aquarell so nahe, wie er nur konnte – sowohl Dean als auch ich warfen einen Blick darauf und sagten: „Nö, wir wollen das Aquarell.“

DeBlois: Das gesamte Künstlerteam in Florida in der Hintergrundabteilung bestand aus begeisterten Malern. Sie gingen zurück, recherchierten und experimentierten mit Pigmenten, Aquarellarten und Papier. Ich denke, sie waren wirklich begeistert von der Herausforderung.

Verschluss: Wir haben sieben Monate lang Aquarell-Workshops durchgeführt und sind fast jeden Tag im Freien hinausgegangen und haben gemalt. Es gab vielleicht acht, neun Hintergrundkünstler, und es gab nur einen, der sich mit Aquarell auskannte: Peter Möhrle. Da muss ich ihm große Anerkennung zollen. Er hat mir viel beigebracht.

Sanders: Bei einem meiner Besuche aus Florida in Kalifornien traf ich einen hochrangigen Mitarbeiter der Hintergrundabteilung und er sagte: „Ich habe gehört, dass Sie Aquarelle malen werden. Wenn Sie in Schwierigkeiten geraten, werden Sie das nicht tun.“ Ich bin mir nicht sicher, ob Kalifornien in der Lage sein wird, Ihnen zu Hilfe zu kommen. Das hat mich wirklich sauer gemacht.

Ron Betta (stellvertretender Produktionsleiter):Ich habe die Frustration des Aquarellteams gesehen, das herauszufinden versuchte, wie man das Papier dehnt und wie man die Aquarellfarbe auf dieses Papier bringt, ohne dass es sich zerknittert, denn wenn Wasser auf das Papier gelangt, wird es sich verbiegen .

Deja:Diese Gruppe von Hintergrundkünstlern flog tatsächlich zurück nach Kalifornien und traf sich dort mit einem der Jungs, die Hintergründe auf Schneewittchen gemalt hatten, der noch lebte.

Verschluss: Maurice Noble war einer meiner Helden, und er war in seinen 80ern. In den 40er und 50er Jahren arbeitete er für Disney. Er konnte kaum sehen. Eine großartige Technik, von der er mir erzählt hat: Es gab diese Felsen in Peter Pan, in der Mermaid Cove, mit wunderschöner Felsstruktur. Ich fragte: „Wie sind Sie auf diese Textur gekommen?“ Er sagte: „Das Geheimnis ist Meersalz – sehr grobkörniges Meersalz.“ Ich hatte so oft versucht, diese Konsistenz zu erreichen, und ich kannte mich mit der Salztechnik aus, aber ich wusste nie, dass man Meersalz verwendet. Also alle Lavasteine ​​in Lilo & Stitch – es war alles Meersalz. Es kam direkt von Maurice Noble.

Sanders:Am Ende waren die Künstler aus Florida mit dieser Aquarell-Sache so vertraut, dass sie Hintergründe schneller produzierten als jemals zuvor Gouache-Hintergründe!

DeBlois: Eigentlich bestand unsere Aufgabe für Chris und mich, in die Hintergrundabteilung zu gehen, nur darin, zu kommentieren, ob es um die Story-Anliegen der Szene ging oder nicht. Solange es das repräsentierte, was wir emotional und im Hinblick auf die Kontinuität vermitteln wollten, waren wir froh, sie einfach gehen zu lassen und sie Künstler sein zu lassen.

Verschluss: Ich erinnere mich an Chris Sanders, als er die ersten Aquarellhintergründe sah, war er so aufgeregt. Er saß einfach nur da und starrte auf dieses Gemälde mit den Blättern und sagte: „Das ist wie eine Therapie.“

DeBlois: Sie können alle verräterischen Zeichen der Hand eines Künstlers erkennen, die sich über die Bildebenen bewegt. Es ergänzte das gesamte Leitbild des Films: Lasst uns unser B-Movie-Budget annehmen und es einfach so gestalten, wie es sein soll.

Lilo & Stitch basierte in erster Linie auf dem ästhetischen Empfinden eines Künstlers. Das machte es einzigartig unter den Disney-Produktionen; es bedeutete, dass die Charaktere nicht wie typische Prinzessinnen mit schmaler Taille aussahen. Und obwohl das Personal im Studio in Florida relativ klein war, waren DeBlois und Sanders entschlossen, ihre Animatoren nicht bis ins kleinste Detail zu verwalten.

Deja: Normalerweise kommt man in einen Film, wird einem Charakter zugewiesen und ist zunächst für das Design verantwortlich. Dann machen Sie einige Testanimationen und arbeiten mit anderen Animatoren zusammen, um sicherzustellen, dass diese Charaktere zur gleichen Welt gehören, und die eine oder andere Person muss Anpassungen vornehmen. Das war anders. Es war alles Chris' Sinn für Ästhetik.

Sanders: Ich dachte: Nun, ich weiß nicht, warum ich so zeichne, wie ich zeichne; Ich glaube nicht einmal, dass ich einen Stil habe. Also wandten wir uns an eine Künstlerin im Studio namens Sue Nichols, und sie nahm meine Zeichnungen, ging für ein paar Wochen weg und analysierte, wie ich zeichne. Sie kam mit einem mehrseitigen Buch mit dem Titel „Surfing the Sanders Style“ zurück, in dem sie erklärte, warum ich so zeichne, wie ich zeichne. Niemand war mehr daran interessiert, dies zu lesen als ich! Dieses Buch wurde zu einer Einführung für jeden, der sich mit dem Film beschäftigte.

Mäntel: Ich erinnere mich an Chris Sanders, als er Nani zeichnete und unseren Produktionsleiter bat, für ihn zu posieren. „Kannst du posieren, weil ich deine Beine auf Nani zeichnen möchte?“ Chris ist einfach dorthin gegangen, anstatt Gespräche darüber führen zu müssen: „Hey, kann man eine Frau wie echte Frauen aussehen lassen?“ Jeder hatte damit zu kämpfen. Frauen mussten diesen unrealistischen Körpertyp haben.

Sanford: Das wird so wirken, als würde ich Kalifornien anklopfen, aber ich muss die Wahrheit sagen. Wenn man Lilo & Stitch zu diesem Team gebracht hätte und Stitch einem der leitenden Animatoren übergeben hätte, hätten sie gesagt: „Nun, ich muss Stitch neu entwerfen, weil ich ihm meinen Stempel aufdrücken muss.“ Das Gleiche wäre mit Nani passiert und der Film würde wie jeder andere Disney-Film aussehen. Aber mit dem Studio in Florida meinten sie: „Oh, wir dürfen einen Film machen, der wie Weihnachtszeichnungen aussieht.“

Betta: Wir mussten Dinge beweisen. Wir wurden immer mit dem anderen Studio verglichen. Wir galten als der nicht ganz so coole jüngere Bruder. Idioten aus Florida gegen die elitäre Gruppe der Hollywood-Filmstars.

DeBlois: Als wir in Florida ankamen, kannten wir diese Leute, weil wir mit ihnen an „Mulan“ gearbeitet hatten. Es war schwierig, diesen Film fertigzustellen. Es gab viele Scheidungen und Beschwerden, die aus diesem Prozess resultierten. Ich erinnere mich daran, wie ich jeden Tag bis weit nach 23 Uhr arbeitete und den Menschen zuhörte, die auf dem Turm des Terrors fuhren, und den armen Wärtern, die in diesen Wohnwagengebäuden Staubsauger herumschubsten. Also haben wir eine Entscheidung getroffen. Als wir dort ankamen, setzten wir uns mit der gesamten Crew zusammen. Wir sagten: „Okay, hier ist der Deal. Wir haben viel weniger Geld. Wir haben weniger Zeit. Aber wir wollen herausfinden, wie wir diesen Film so machen können, dass jeder abends nach Hause geht, um mit seinen Lieben zu Abend zu essen. Jeder.“ bekommt ein Wochenende. Wir werden herausfinden, wie wir das machen können, und es gerne tun.“ Das wurde zum Geist des Filmemachens. In Florida Springs gab es allerlei Grillabende und Kajakfahrten sowie kleine Ausflüge zu den Keys oder an die Küste. Ric Sluiter ging am Wochenende mit uns spazieren und wir gingen spätabends Muscheln oder Garnelen fangen. Lichter ins Wasser werfen und Garnelen fangen.

Verschluss: Mulan war fünf Jahre lang die Hölle. „Lilo & Stitch“ waren zwei glückliche Jahre. Alles verlief so reibungslos. Denn Chris und Dean haben den Film geschrieben und das Storyboard erstellt – sie haben den gesamten Film selbst gemacht, eine unglaubliche Leistung. Als sie also wussten, dass der Stil da war, ließen sie mich einfach in Ruhe. Sie haben alle Genehmigungen vorgenommen, alles, aber sie haben es mir überlassen, damit sie sich auf die Geschichten konzentrieren können.

Sanders: Dean und ich fanden unsere Komfortzone darin, den Animatoren nicht zu sagen, was sie tun sollten. Das sind unsere Schauspieler, und wenn Sie in der Animationsbranche tätig sind, haben Sie natürlich Ihre Schauspieler, und Sie haben Ihre Animatoren, die auch Schauspieler sind. Und wir haben schon früh entschieden, dass wir fertig sind, wenn sie alle Kästchen ankreuzen, die ein Moment oder eine Szene benötigt. Wir werden uns nicht auf eine Sache einlassen, bei der ich es eher so gesehen habe. Jetzt sind Sie in einer Situation, in der ein schlechter Animator fragt: „Sie möchten also, dass er was tut?“ Sie sind plötzlich wie jemand, der eine Bestellung entgegennimmt, anstatt das zu tun, was er am besten kann.

„Lilo & Stitch“ verfügte nicht über das große Story-Team, das in einer Disney-Produktion üblich gewesen wäre. Sehr oft konnten größere Story-Änderungen relativ schnell durchgeführt werden, wenn nur ein oder zwei Personen mitwirkten. Das führte zu einem reibungsloseren Produktionsprozess – abgesehen von einer enormen, schockierenden Änderung in letzter Minute, die erfolgte, nachdem der Film fast fertig war.

Sanders: Als wir an „Mulan“ arbeiteten, kam der Tag, an dem wir, wie so oft, darüber sprachen: „Wie sollen wir den Bösewicht töten?“ Es ist irgendwie lustig, darüber nachzudenken, wie oft man in den Hallen von Disney herumsitzt und darüber redet: „Wie bringen wir den Bösewicht um?“ „Oh, was wäre, wenn er in einem Feuerwerksstand explodierte?“ Das brachte mich zum Nachdenken: Was wäre, wenn wir tatsächlich einen Bösewicht erlösen würden? Was wäre, wenn wir unseren Bösewicht zum Helden machen würden? Wirklich, wenn man Lilo & Stitch alles wegnimmt, ist das die Geschichte. Es ist eine Erlösungsgeschichte, in der Bösewicht und Held ein und dieselbe Figur sind.

Sanford: Was mich an der Art und Weise, wie Chris die Geschichte entwickelte, beeindruckt hat, ist, dass sie sich wirklich organisch entwickelte. Ich beschreibe es immer als Spirale. Er erzählt die Geschichte über diesen Außerirdischen. Dann trifft dieser Außerirdische dieses kleine Mädchen. Okay, nun ja, dieses kleine Mädchen braucht eine Familie, also gibt es eine große Schwester. Diese Charaktere entwickeln sich einfach, und dann verfolgt ihn jemand. Woher kam dieser Außerirdische? Nun, es gibt diese Galaktische Föderation. Dann fangen all diese Zeichen an, sich auszufüllen.

DeBlois: Es gibt einen seltsamen, magischen Moment, in dem der Film einem sagt, was er will, wenn man lange genug daran gearbeitet hat. Es wird Dinge ablehnen, die ihm unnötig oder aufgezwungen erscheinen. Aber es wird auch nach den Momenten fragen, die es braucht. Als wir uns den Film immer wieder ansahen, wurde uns klar, dass die Balance ständig verschoben werden musste, bis wir den Tanz zwischen Aufrichtigkeit und Lächerlichkeit fanden.

Poole: Ich denke, Chris und Dean waren eine gute Balance füreinander. Chris hatte diese wilden Ideen darüber, dass dies passieren könnte und dies könnte passieren und dies könnte passieren, und manchmal fühlte es sich so an, als wäre Dean derjenige, der dabei half, das Bindegewebe herauszufinden.

Sanders: Roy Disney löste eine der größten Veränderungen im Film aus. Bei einem Treffen sagte er: „Ich mochte Stitch, als ich dachte, er sei ein Baby. Aber als mir klar wurde, dass er ein Erwachsener war, der für diese ganze Bande von Außerirdischen verantwortlich war, mochte ich ihn nicht mehr so ​​sehr.“ Ich dachte: Okay, das ist eine zu große Note. Damit müssen wir uns jetzt auseinandersetzen. Ich sagte: „Okay, wenn wir nur Stitch machen würden, bewegen sie ihn vielleicht in einem Glas herum und Leute oder Außerirdische in Schutzanzügen fassen ihn an. Es ist fast so, als wäre er ein Virus.“ Im Zimmer wurde es wirklich still. Ich sah zu Tom hinüber, und Tom sah mich an und er schaute nicht weg. Ich sagte: „Das Äquivalent eines Virus wäre eine genetische Mutation. Wenn Stitch eine genetische Mutation wäre, dann könnte er selbst das Problem sein. Wir können alle diese anderen Charaktere eliminieren.“ Also gingen wir in die Versammlung und da war eine ganze Bande Außerirdischer, und als wir die Versammlung verließen, waren keine Außerirdischen mehr da. Alle diese Leute wussten es nicht, aber ihre Teile wurden abgeschnitten.

Zu diesem Zeitpunkt hatten wir Ricardo Montalbán bereits als einen der Bösewichte registriert. Ups, Entschuldigung. Er war wirklich nett und ich hatte ihn überredet, seine Stimme aus Wrath of Khan zu übernehmen. Während der Aufnahmesitzung sagte ich immer wieder: „Könnten Sie es vielleicht ein bisschen so machen, oder ein bisschen mehr so?“ Ich wollte nicht einfach rauskommen und es sagen. Er spielte weiterhin all diese verschiedenen Stimmen und arbeitete so hart. Schließlich sagte ich im Grunde: „Kannst du einfach die Stimme übernehmen, die du in Wrath of Khan gemacht hast?“ Er sagte: „Oh, du meinst so?“ Und er hat es geschafft! Und dann – deshalb möchte ich nie Produzent werden – musste der Produzent anrufen und sagen: „Leider haben wir Ihre Figur aus dem Film genommen.“

Sanford: Schon früh fuhren Chris und ich nach Laguna Beach. Er hatte einen Sharpie und einen Geschichtenblock und wir aßen Wings und Bier und redeten über die Geschichte. Er bestand wirklich darauf, dass Stitch nicht in den Weltraum zurückkehren musste. Er wollte, dass Stitch bei seinem kleinen Mädchen und ihrer Schwester ein Zuhause findet. Er sagte: „Ich kann nicht rechtfertigen, dass sie bleiben. Die Großstadträtin wird ihn zurücknehmen.“ Ich sagte: „Moment mal. Als Lilo Stitch adoptierte, musste sie Geld bezahlen, oder?“ Er sagte: „Ja.“ Ich sagte: „Nun, sie hat eine Quittung. Wenn die Großrätin ihn mitnimmt, ist das Diebstahl.“ Daher kommt die Szene am Ende, in der Lilo einfach nur die Quittung hochhält.

Sanders: Wir hatten ein internes Screening in Kalifornien. Manchmal vermisst man große, riesige, offensichtliche Dinge, weil man so damit beschäftigt ist, sich um andere Dinge zu kümmern. Ich sagte laut: „Stitch wechselt vom Schlechten zum Guten, aber wir haben keinen Grund, warum er vom Schlechten zum Guten wechselt.“ Dann wurde uns klar: „Oh, Ohana muss das sein, was ihn verändert.“ Also begannen wir, es viel offener in den Film einzubauen.

DeBlois: Am Ende des Films entwickelte Stitch zunächst ein Gewissen und erkannte, dass er sich um Lilo kümmern musste, nachdem sie von Kapitän Gantu ein Nickerchen gemacht hatte und auf seinem Schiff entführt wurde. Stitch war immer noch gefährlich verantwortungslos. Am Ende stiehlt er eine 747 vom Flughafen und fliegt damit mit Kapitän Gantu eine Verfolgungsjagd durch die Innenstadt von Honolulu. Das Fahrwerk fährt aus und sie rasen von Gebäuden ab, Glas zersplittert und regnet auf die Straßen. Es war fertig und in Farbe. Und dann geschah der 11. September.

Schumacher: Ich war damals biküstennah. Viele Disney-Leute waren in New York, weil am Montag, dem 10. September, der Gedenkgottesdienst für unseren damaligen Arbeitsleiter für Theater war, einen wirklich liebenswerten Mann. Alle würden am Dienstag nach Hause fliegen. Und dann passiert der 11. September. Zwanzig Menschen landen in meiner winzigen Wohnung im Central Park South. Dann klingelt mein Telefon und Chris sagt: „Tom, was machen wir?“ Ich sagte: „Chris, es ist steinig, aber ich werde versuchen, alle nach Hause zu bringen.“ Und er sagte: „Nein, nein. Was machen wir mit der letzten Verfolgungsjagd im Film?“ Ich denke: „Heilige Scheiße!“ Diese Szene entwickelte sich von lustig und empörend zu schrecklich und tragisch und traumatisch. Ich glaube, am nächsten Tag rief er mich an und sagte: „Das werde ich tun. Ich werde die 747 einpacken. Sie werden Jumbas Schiff übernehmen.“ Sie haben einfach alles neu gestaltet.

DeBlois: Wir haben die Reihenfolge beibehalten, aber dann wurden die Wolkenkratzer in der Innenstadt von Honolulu zu Bergschluchten. Und die gestohlene 747 wurde zu dem Schiff, mit dem Jumba ursprünglich angekommen war. Wir behielten das Tempo der Sequenz mehr oder weniger bei, mussten aber viele der offensichtlichen Bezüge ändern.

Sanders: Der arme Kerl mit der Eistüte sollte in Honolulu die Straße überqueren. Jetzt ist er in Kauai am Strand und sein Ding wird kaputt gemacht.

„Lilo & Stitch“ wurde in Florida in aller Stille und für relativ wenig Geld produziert. Aber irgendwann müsste es die Disney-Führung – ganz zu schweigen von der Öffentlichkeit – sehen. Die Welt der Animation hatte sich im Laufe der Jahre dramatisch verändert. Pixars erster Spielfilm, Toy Story, war 1995 ein Riesenerfolg gewesen, und als Lilo & Stitch 2002 in die Kinos kam, waren computergenerierte Animationen bereits vorherrschend (mit „A Bug's Life“, „Toy Story 2“ und „Die Monster AG“) in den dazwischen liegenden Jahren). Das machte Lilo & Stitch zu einer Art Rückschritt. Und doch war es auch völlig neu. Bei all seinen ausgefallenen Qualitäten war „Lilo & Stitch“ prophetisch: Er hat wahrscheinlich mehr mit späteren Disney-Hits wie „Die Eiskönigin“, „Vaiana“ und „Encanto“ gemeinsam, in denen ebenfalls eine weibliche Protagonistin ohne Heiratsplan im Vordergrund steht. Und es sollte ein Hit werden. Auch wenn seine Einspielergebnisse nicht annähernd an Disney-Renaissance-Klassiker wie „Aladdin“ oder „Der König der Löwen“ herankamen (Lilo & Stitch spielte weltweit 273 Millionen US-Dollar ein, während „Der König der Löwen“ nach mehreren Neuveröffentlichungen 1,06 Milliarden US-Dollar einspielte), erzielte er im Vergleich zu teuren Giganten gute Geschäfte wie The Emperor's New Groove (169 Millionen US-Dollar) und Atlantis: The Lost Empire (186 Millionen US-Dollar). Es würde auch drei Direct-to-Video-Fortsetzungen sowie mehrere TV-Serien und Videospiele inspirieren.

Sanders: Michael Eisner hat es erst gesehen, als es fertig war. Michael Eisner sah es, als es in Farbe war, es hatte Musik und es war so ziemlich vollständig fertig. Alle waren nervös und sagten: „Oh mein Gott, wir haben einen Film gemacht und es Michael Eisner nie erzählt.“ Als wir aus der Vorführung kamen, stand Michael Eisner da, er ist so groß, und er sagte: „Chris, Dean. Das hat mir wirklich gefallen. Ich mag es. Ich kann es nicht wirklich erklären. Das habe ich noch nie gesehen.“ irgendetwas Ähnliches … aber ich mag es. Es ist einfach so schwer zu erklären … aber ich mag es wirklich.“

Schumacher: Als der Film herauskam, herrschte große Frustration darüber, dass es sich nicht um CG handelte. Die Marketingleute fragten: „Wie veröffentlichen wir diesen Film? Es ist kein CG.“ Es gab sogar den Vorschlag eines sehr wichtigen Spielers, den Werbespot in CG zu machen. Ich sagte: „Das kommt mir ein wenig unehrlich vor.“ Der Film funktioniert, weil er kein CG ist. Du kannst mir ein Blatt aus „Pocahontas“, „Herkules“, „Mulan“, „Lilo & Stitch“ zeigen – ein Blatt – und ich sage dir, aus welchem ​​Film es stammt. Denn wenn es von Hercules stammt, hat es einen Gerald-Scarfe-Touch. Wenn es Pocahontas ist, hat es eine Naht, die nach oben geht, und es gibt eine Farbe hier, eine Farbe dort. Lilo wird Aquarell sein. Sie sehen alle unterschiedlich aus. Es gibt eine Gleichheit, in die man geraten kann, es sei denn, die Leute gehen wirklich über die Grenzen hinaus. Nachdem ich in beiden Filmen mitgewirkt hatte, war dieser Film eine Hommage an handgezeichnete Animationen.

Die Publizisten sagten mir immer wieder: „Die Aquarelle interessieren niemanden.“ Ich sagte: „Wir werden ihnen beibringen, was es ist.“ Wir sind zu den Filmfestspielen von Cannes gegangen, um Werbung dafür zu machen. Clark, Dean, Chris, ich. Roy und Patty flogen uns mit Air Roy, einer privaten 737, die sie besaßen, dorthin. Ich glaube, wir haben 500 Journalisten in einen Kurs geschickt, in dem sie lernen konnten, wie man mit Wasserfarben malt. Sie bekamen alle ein Set mit genau den vier Farben, die man brauchte, Steinsalz, und man musste die Farbe auf dem nassen Papier auftragen. Es war wundervoll.

Karriere: Ich dachte nur: „Das ist so schön.“ Die Gemälde dieser Orte auf Hawaii wirken wie konkrete Orte und nicht wie die großflächige Darstellung einer unscheinbaren tropischen Insel, wissen Sie? Die Häuser sind wie die Häuser, in deren Nähe ich aufgewachsen bin. Nani sieht mit ihren kräftigen Beinen und ihrem Körper wie ein einheimisches Mädchen aus. Sie ist nicht wie braun gestrichenes Aschenputtel. Ich finde es toll, dass Chris und Dean wussten, was sie der Welt präsentierten. Es war seiner Zeit auf so vielen Ebenen so weit voraus. Die sozialen Dienste, das ältere Geschwisterkind, das sich um das jüngere Geschwisterkind kümmert, und das Chaos und Chaos, das daraus folgt, diese Familie besteht aus einer Art merkwürdiger Besetzung von Charakteren, die man zusammenschustert und die sich gegenseitig den Rücken stärken. Ich denke, das ist ein durch und durch modernes Thema. Der Gedanke, dass wir das vor 20 Jahren getan haben, ist irgendwie erstaunlich. Außerdem soll die indigene Geschichte, die Geschichte der Einheimischen, im Mittelpunkt von Hawaii stehen, während Hawaii normalerweise die fetischisierte, wunderschöne Kulisse für kaukasische Hauptfiguren darstellt. Auf so vielen Ebenen war ich so stolz, Hawaii repräsentieren zu dürfen.

McDonald: Ich werde dir die Wahrheit sagen. Es war besser, als ich dachte. Es gibt zwei Cartoons, nach denen ich ständig gefragt werde: Lilo & Stitch und Invader Zim. Invader Zim sind die Leute, die jung waren und zu Kids in the Hall-Fans herangewachsen sind. Lilo & Stitch-Fans kommen normalerweise aus einer anderen Welt. Normalerweise ist es eine Familie. Die Eltern sind Mitte 40 oder Anfang 50 und haben eine 26-jährige Tochter, die sehr schüchtern ist, weil ich Pleakley bin. Ich habe 100 solcher Familien kennengelernt. Es wird wahrscheinlich das sein, was sie sagen, wenn ich sterbe. Es wird nicht „Kids in the Hall“ sein, sondern „Synchronsprecher von Lilo & Stitch“. Für meinen persönlichen Geschmack, da ich ein „Kid in the Hall“ mit einem dunklen Sinn für Humor bin, gebe ich ihm … zweieinhalb Sterne. [Lacht.] Oh Gott, ich hoffe, Dean liest das nicht. Aber nein, es gefällt mir auf jeden Fall! Es ist gut, es ist gut! Trotzdem zweieinhalb Sterne.

Hell: Wenn es in irgendeiner Kultur einen Film gibt, der über die Kultur und mit der Kultur gedreht wird, werden sie sehr vorsichtig und kritisch sein. Ich glaube, die Leute auf Hawaii waren begeistert, dass Disney etwas gegen Hawaii unternahm. Aber es wird jederzeit Positives und Negatives geben. Ich glaube also, dass es einige gemischte Reaktionen gab.

Lee: Ich war angenehm überrascht. Indem man eine Fantasie nimmt und sie auf einen Arbeiter anwendet und die sozioökonomische Situation im Leben vieler Einheimischer hier wirklich darstellt. Die ganze Sache mit der älteren Schwester, die die jüngere großzieht – das ist echt. Ich meine, diese Geschichten haben immer noch Gültigkeit. Solche Disney-Animationen sieht man nicht oft.

Betta: Ich gehe die ganze Zeit zu Disney. Kleine Mädchen werden in Lilo-Kostümen herumlaufen. Ich gehe direkt auf die Eltern zu. Ich sage: „Ich habe an diesem Film mitgearbeitet. Vielen Dank, dass Sie Ihrer Tochter erlaubt haben, sich wie Lilo zu verkleiden.“ Weil es für mich so schön ist zu sehen, dass Kinder es auch 20 Jahre später immer noch tragen.

Deja: Ich liebe es. Und das ist nicht immer der Fall. Ich mag die endgültige Version nicht immer, denn die endgültige Version ist, wenn man da sitzt und sagt: „Nun, das ist es.“ Sie können nicht zurückgehen und sagen: „Kann ich Sequenz 13, Szene vier zurück haben?“ Ich liebte es einfach. Genau wie das gesamte Publikum habe ich gelacht und geweint und mich richtig eingebracht. Ich dachte: Das ist eines unserer besten. Ich bestehe darauf, dass es doppelt so viel Umsatz gemacht hätte, wenn „Lilo & Stitch“ direkt nach „König der Löwen“ herausgekommen wäre. Ich weiß es, denn wir waren so hoch oben und haben nach „König der Löwen“ ein paar Filme gemacht, die beim Publikum nicht so gut ankamen. Daher kam es bei der Animation zu einem kleinen Rückgang. Lilo & Stitch brachten es noch einmal zur Sprache.

Sanders: Wir waren zur richtigen Zeit am richtigen Ort. Tom Schumacher war dort, um diesen Film zu schützen. So viele Menschen waren zur richtigen Zeit am richtigen Ort und haben uns auf Hawaii geholfen. Ich kann mir nur vorstellen, wie oft das schiefgehen konnte. Es bringt mich jetzt fast zum Ausrasten, wenn ich nur daran denke, wie viele Beinaheunfälle dieses Ding wahrscheinlich hatte. Es war, als würde man einen Strike werfen. Du sagst: „Es wird es schaffen, es wird es schaffen“, und dann triffst du darauf, und das wird vielleicht nie wieder passieren.

Schumacher: Die beiden Filme, nach denen ich am häufigsten gefragt werde, sind „Emperor’s New Groove“ und „Lilo & Stitch“. In diesen beiden Filmen fragten die Leute in ihrem eigenen Moment: „Was machen sie?“ Ich glaube nicht, dass irgendetwas, an dem ich jemals gearbeitet habe, schmerzhafter war als „Emperor's New Groove“. Ich hatte lange Zeit große Schuldgefühle wegen diesem Film, weil die Leute im Unternehmen ihn so beleidigend behandelten. Aber Lilo & Stitch lebt in den Herzen vieler, vieler Menschen.

Verlieren Sie nicht aus den Augen, was dieser Film tatsächlich sagt. Dass hier diese beiden jungen Frauen sind, die durch eine Tragödie auf sich allein gestellt sind und eine Familie gründen, richtig? In diesem Film geht es so sehr um Freundlichkeit und die Umarmung des anderen. Ich kann den Film nicht sehen, ohne in Tränen auszubrechen. Als Stitch nach draußen geht und sagt: „Ich bin verloren.“ Wie kann man sich das ansehen, ohne in Tränen auszubrechen? Und ihre bedingungslose Liebe zu ihm. Das Opfer, die Geduld, der Versuch, das Denken eines anderen zu verstehen? Wie sieht er das? Sie tun das und bauen diese Familie auf, und Pleakley und Jumba kommen auf ihre eigene Weise dazu, Teil dieser Familie zu sein. Das ist ihre Familie – sie ist kaputt, aber es ist ihre Familie. Die Idee, dass Kinder sich etwas über eine kaputte und zerrüttete Familie ansehen, aber wissen, dass sie einen Weg nach vorne finden können, wenn sie sich umeinander kümmern.

Hell: Eines der Kinder im Chor hat es kürzlich am besten gesagt. Er sagte: „Als wir Kinder waren, dachten wir, es wäre ein großartiger Disney-Film. Hier ist dieser Außerirdische, und es ist einfach ein lustiger Film.“ Aber jetzt, wo er erwachsen ist und zurückblickt, sieht er diese Botschaft über die Familie, sagte er. Es spielt keine Rolle, wie groß man ist oder wie unterschiedlich man ist, eine Familie ist etwas Besonderes. Jetzt ist er erwachsen und sieht es anders.

Sanders: Ganz am Ende saß ich an meinem Schreibtisch und Tom Schumacher rief an und er sagte: „Chris, wenn du eine Minute länger hättest, was würdest du bei diesem Film machen?“ Ich sagte: „Nun, ich würde ein Postskriptum zum Film machen. Ich würde ihr Leben nach dem Ende des Films zeigen.“ Er sagte: „Ihr habt das Budget so eingehalten, dass ihr noch ein paar Millionen Dollar übrig habt. Macht das Ende.“ Wir haben diese zwei Minuten hinzugefügt, und ich denke, das hat den Film völlig verändert.

Schumacher: Ich denke an die ganze Feier am Ende des Films, wenn man sie alle zusammen sieht, mit den Fotos und so, und man sieht sie Skifahren und alles. Ich denke, es heißt einfach: „Wir alle können unsere eigene Familie gründen.“ Für diejenigen von uns, die das tun mussten, ist das Vermächtnis meiner Meinung nach: Es ist wunderschön. Ich halte es für außergewöhnlich, dass die Branche sieht, was diese Künstler leisten können, und ich denke, dass ihre eigentlichen Themen heute genauso wertvoll oder wertvoller sind als je zuvor.

Sanders: Einer meiner Kollegen machte mir wahrscheinlich das größte Kompliment. Er sagte: „Lilo & Stitch kommt einem Miyazaki-Film, den die Disney Studios jemals machen werden, am nächsten.“ Weil es wirklich diese eigenartige, individuelle Signatur trägt, die den normalen Prozess, den diese Dinge durchlaufen, nicht überleben kann. Das war uns möglich, weil Tom Schumacher erstens bereit war, das Risiko einzugehen, mir die Hauptrolle in diesem Film zu überlassen. Und dann ging er das Risiko ein, es vor dem Studio zu verbergen.

Der Erfolg von Lilo & Stitch im Jahr 2002 war einer der Triumphe des Studios in Florida. Aber es erwies sich als nur von kurzer Dauer. Als „Brother Bear“, das ebenfalls im Studio in Florida produziert wurde, im Jahr 2003 eröffnete, begann Disney bereits damit, sich von handgezeichneten Animationen zu entfernen. Roy Disney, der lange als Verfechter der Animationsabteilung galt, hatte das Unternehmen im November aufgrund eines Machtkampfs verlassen Eisner. Nach einer Reihe abgesagter Projekte, Gehaltskürzungen und Entlassungen schloss das Unternehmen im Januar 2004 schließlich das Studio in Florida und entließ dabei mehr als 250 Animatoren, Techniker und andere. In einer damaligen Erklärung erklärte David Stainton: „Die Zusammenarbeit der gesamten Animationsgruppe in Burbank unter einem Dach wird unseren Filmemacherprozess weiter verbessern“ – was sicherlich für jeden ironisch klang, der die erfolgreiche Produktion von „Lilo & Stitch“ außerhalb des Films miterlebt hatte Augen von Burbank.

Verschluss: Wir waren völlig überrumpelt. Ich erinnere mich an den Tag, als es passierte. Sie sagten, dass David Stainton und Pam Coates einfliegen würden. Es war ein Freitag. Ich sagte: „Das sind sie? Oh, das ist nicht gut.“ Kevin, der Assistent, holte sich den Eiswagen, denn wenn sie zu einem Meeting kamen, gab es normalerweise Eis. Er sagte: „Nein. Sie kommen nur, um mit der Crew ein Eis zu essen.“ Ich sagte: „Nein, schlechte Nachrichten kommen an einem Freitag. Ich weiß nicht, was es ist, aber es sind schlechte Nachrichten.“ Wir haben an A Few Good Ghosts gearbeitet. Dieser Film hat so viele Veränderungen durchgemacht – er hieß „My Peoples“, „A Few Good Ghosts“, „Angel and Her No Good Sister“. Dolly Parton spielte darin die Hauptrolle.

Mäntel: Ich habe dieses Studio geliebt. Als wir beschlossen, das Studio zu schließen, sagte ich: „Nein, ich steige in ein Flugzeug. Das sind meine Leute.“ Ich war der Manager, der die meiste Zeit in diesem Studio verbracht hatte. Ich bin zunächst dorthin geflogen und habe „Trail Mix-Up“ und dann „Mulan“ gemacht. Ich liebte diese Leute. Ich kannte sie mit Namen. Es war wahnsinnig schwer, weil man ihre Familien kannte. Sie waren mit ihren Familien beim Grillen gewesen. Es waren keine Zahlen auf einem Blatt Papier, auf dem steht: „Hey, wir haben zu schnell expandiert.“ Also hatte ich das Gefühl, dass ich vor diesen Leuten stehen musste.

Verschluss: Das war wahrscheinlich der traurigste Tag in meinem Leben. Arbeitstechnisch auf jeden Fall. Menschen wurden ohnmächtig und fielen weinend auf die Knie. Erwachsene Männer weinen. Es war schlecht. Dieser schöne Traum war im Nu vorbei. Es war weg. Es war schrecklich. Menschen bekamen Gürtelrose, Menschen bekamen Schlaflosigkeit. Alle wurden danach krank, körperlich krank. Man muss diesen Verlust verkraften und dann den nächsten Auftritt finden. Es passiert so viel in der Filmindustrie.

Schumacher: Ich war vor ein paar Jahren in Florida, kurz bevor die Pandemie ausbrach. Ich habe für das Stück Aladdin in Mexiko gecastet. Ich sagte: „Kann ich mir das alte Animationsstudio ansehen?“ Ich musste mich übergeben, so untröstlich war ich.

Verschluss: Als ich im Laufe der Jahre für andere Studios arbeitete, wurde mir klar, dass es kein besseres Arbeitsumfeld gab als das, was wir dort hatten. Wir waren alle kleine Kinder, als wir anfingen. Wir sind alle zusammen aufgewachsen, wie eine Familie. Es gab nicht diese Hierarchie der oberen Schicht, der mittleren Schicht und dann die Leute ganz unten, die Kohle in die Titanic schaufelten. Es gab diese Zusammenarbeit, die von oben nach unten ging. Wir waren nur ein kleines Studio hier draußen, das versuchte, die Geschehnisse in Kalifornien im Auge zu behalten.

Sanders:Was die traditionelle Animation angeht, war Florida genau das Richtige.

Verschluss: Es ist weg. Es ist weg. Wird es zurückkommen? Ich weiß nicht. Ich habe mir „Klaus“ von Sergio Pablos angesehen. Schön. All diese Dornröschen-Zeilen. Aber ich weiß es nicht. Es könnte weg sein. Es dauert einfach so lange, dieses Fachwissen zu erreichen. Die meisten Animatoren machen das Gleiche: Man bekommt zuerst die Figur und zeichnet dann nur noch die Szenen. Dann bist du ein Jahr, eineinhalb, zwei Jahre im Film. Am Ende ist es so, als würde man die Figur leben. Sie alle möchten zu den frühen Szenen zurückkehren und sie korrigieren und ändern, weil sie die Charaktere und ihre Bewegungen, die Linienführung, die Pose und die Gesten so gut verstanden haben. Man erreicht dabei Film für Film ein so bestimmtes Können, dass man sich immer weiter verbessert. Es ist nicht so, dass man einen Haufen 2D-Animatoren, die seit zehn oder fünf Jahren nicht mehr zeichnen, schnappen und sie für einen Film einsetzen kann. Es braucht Zeit, um dieses Niveau zu erreichen. Wenn sie kein Studio aufbauen können, werden Sie dieses Niveau nicht wieder erreichen. Was das handgezeichnete Zeug betrifft, ja. Ich weiß es nicht, Mann. Könnte wegen der Funktionen wegfallen.

Es fällt mir jetzt tatsächlich schwer, Animationen anzusehen, weil ich die gleichen Ausdrücke, Gesten, Handbewegungen und alles sehe. Jeder benutzt einfach immer und immer wieder das Gleiche. Es ist diese Animationsformel. Ich sehe die Einzigartigkeit nicht mehr. Ich schaue mir Realfilme an und du hast einen Schauspieler, oder? Und der Schauspieler kann seine Persönlichkeit ändern. Er kann seinen Charakter ändern. In einer Szene kann er auf eine bestimmte Art lachen, in einer anderen kann er einen Akzent setzen. Er kann einen anderen Stil gehen. Ein guter Schauspieler wird sich verändern. Aber in der Animation scheinen sie einfach einen formelhaften Eindruck zu erfassen und ihn einzubinden. Es ist eine Plug-and-Play-Sache. Kennen Sie das Sprichwort „Tod durch Massenvernichtung“? Ich sagte immer: „Leben durch mathematische Zerstörung.“ Du musst die Mathematik töten. Wenn Sie die Bayes'sche Kurve sehen können, wenn Sie das Timing spüren können – das ist Mathematik. Man muss die Mathematik töten, damit es sich lebendig anfühlt.

Durch das Absenden Ihrer E-Mail erklären Sie sich mit unseren Allgemeinen Geschäftsbedingungen und Datenschutzhinweisen sowie mit dem Erhalt von E-Mail-Korrespondenz von uns einverstanden.